20/06/2021 por Ronald Perrone - 2 Comentários

O retorno de JCVD… De novo?

Sempre que se anuncia um trabalho mais “ousado” com o envolvimento de Jean-Claude Van Damme, inicia-se também a velha expectativa em torno de um possível “retorno” do belga aos holofotes do cinema de ação. E para quem não sabe, isso aconteceu diversas vezes ao longo das últimas duas décadas. No final deste mês, Van Damme vai estrear na NetFlix, com toda pompa do streaming mais famoso da atualidade, com O ÚLTIMO MERCENÁRIO, de David Charhon, e de novo o tema vem à baila…

Acho que o assunto “o grande retorno de Van Damme” apareceu com força pela primeira vez foi em 2008. O sujeito já estava há alguns anos fazendo seus filmes direto para o mercado de home video, e o interesse do mainstream tinha chegado ao fim, deixando apenas os aficcionados por cinema de ação e fãs do ator acompanhando sua carreira. O saldo não era negativo, tivemos vários exemplares de boa qualidade, alguns mais outros menos (alguns horríveis, obviamente), embora um Van Damme grisalho e calejado tivesse assumido um registro mais maduro de seus personagens. Foram-se os chutes rodados e filmes mais focads em combates corporais, a idade lhe obrigou a mudar o estilo de ação que fazia. O otimismo dominante acabou substituído por papéis mais sombrios. Van Damme interpretou de gângster violento à policial de moral duvidosa demonstrando excelentes atuações, e conseguia, de vez em quando, trabalhar com bons diretores: Ringo Lam, Isaac Florentine, e um pouco mais tarde, numa boa colaboração com John Hyams.

Mas foi com JCVD que Van Damme realmente surpreendeu as pessoas. Ele se viu em um filme com sensibilidade, fazendo uma versão ficcional de si mesmo, num pathos sincero e autêntico. Um filme honestíssimo, em que por duas ocasiões, Van Damme quebra a quarta parede para se dirigir ao público e falar do fundo do coração sobre seus demônios interiores, em monólogos intensos. E para além desses momentos, Van Damme se entrega num ótimo desempenho fruto da sua evolução como ator e deposita tudo nesse veículo que não era o típico filme de ação que estávamos habituados a vê-lo.

Lembro como as pessoas começaram a se perguntar se teríamos um renascimento da carreira de Van Damme. Não apenas como um homem de ação, mas como um ator legítimo. Ele poderia fazer papéis dramáticos, ser cômico, poderia fazer coisas interessante que muitos de seus contemporâneos de ação não foram capazes de fazer, exceto, talvez, Sylvester Stallone – o maior ator, no sentido dramático, entre os brucutus do cinema de ação. Van Damme poderia seguir os passos de um Liam Neeson, ou surfar na onda, mais tarde, de um JOHN WICK. Por que não?

No entanto, bom, essa revolução nunca aconteceu. O mais próximo disso foram os trabalhos com o Hyams na série SOLDADO UNIVERSAL, que apesar de serem obras-primas modernas do cinema de ação, continuaram sendo produtos de nichos, para fãs do ator ou de obcecados por ação. Nenhum grande estúdio se interessou em trazer Van Damme de volta, como era discutido na época.

Em 2010, Van Damme acabou se envolvendo num projeto pessoal, THE EAGLE PATH, ou FULL LOVE, ou seja lá o título que você tenha ouvido falar. Filme que há mais de uma década espera para ver a luz do dia. Escrito, dirigido e estrelado pelo próprio Van Damme e nunca lançado. Acho que o sujeito quer ter o seu próprio THE OTHER SIDE OF THE WIND…

Como nada disso vingou em termos de “retorno aos holofotes do cinema de ação”, a carreira do sujeito se resumiu em voltar a fazer filmes de ação de baixo orçamento. O que não tenho muito do que reclamar, tivemos bons filmes dessa safra, mas havia uma sensação muito clara de que Van Damme estava sendo desperdiçado, que poderia fazer mais e não fazia. Personagens pelos quais o drama não era forte o suficiente para mostrar o quão bom Van Damme poderia ser.

Mais algumas falsas auroras aconteceram. Estamos em 2012 e OS MERCENÁRIOS 2 trouxe Van Damme de volta à relevância cultural pop. Ele rouba a cena num filme recheado de ícones do cinema de ação, como o vilão Jean Vilain, mas que no fim das contas acabou não fazendo muita diferença em seus trabalhos subsequentes. Filmes como 6 BULLETS e SWELTER definitivamente não são o tipo de veículos renascentistas que Van Damme merecia.

Tivemos a série JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON em 2016, que eu acabei não vendo, mas sei que era outro estudo auto-referente que dialogava com JCVD. A série não passou da primeira temporada, foi cancelada e logo depois, mais filmes de ação de baixo orçamento acumulando na filmografia do homem, como os péssimos KILL ‘EM ALL e BLACK WATER…

2018 teve LUKAS, também conhecido como THE BOUNCER, um retorno de Van Damme à sua querida Bélgica, num filme que mesclava boas sequências de ação, certo valor artísitico, com uma entrega dramática mais pesada. Um belo filme que, infelizmente, foi pouco visto, mas que poderia representar alguma mudança na carreira do homem. Seu filme seguinte, WE DIE YOUNG, eu ainda não vi, mas parece ser outro filmeco de ação de baixo orçamento. Então, voltamos à estaca zero.

Enfim, chegamos no momento atual. Ser produzido por streamings é uma via na qual muitas figuras em declínio tem se redescoberto, onde muitos heróis de ação do passado podem ser melhor servidos, onde um público mais amplo os aguarda. E agora Van Damme vai aproveitar disso com O ÚLTIMO MERCENÁRIO. A julgar pelo trailer, tem o tipo de valor de produção que ele não obteria no padrão DTV atual. Filmado em sua língua nativa, o filme parece ter o equilíbrio certo entre ação, comédia, nostalgia e auto-referência. Exatamente o tipo de filme que Van Damme deveria ter feito depois de JCVD. Antes tarde do que nunca.

Mas O ÚLTIMO MERCENÁRIO vai ser o ressurgimento de Van Damme? Se a audiência comparecer e o filme for sucesso, talvez ele faça mais alguns filmes com a Netflix, talvez até com mais oportunidades de mostrar que se tornou o ator talentoso que é. Mas, querem saber? Acho que a essa altura da careira dele, pouco importa. Eu mesmo não me importo. Claro, seria bom vê-lo tendo destaque novamente em filmes de ação de grandes estúdios, mas a gente sabe que daqui a pouco ele volta a fazer pequenos filmes de ação. Ou talvez se arrisque em mais uma produção ousada com esperança de renascimento. Mas o resultado é sempre o mesmo: o que temos é uma das figuras mais interessantes da história do cinema de ação, com uma das filmografias mais malucas, cheias de altos e baixos e tentativas frustradas em busca de algo melhor. Mas que renderam por si só grandes obras.

O que importa mesmo é que O ULTIMO MERCENÁRIO vem aí e eu vou ser o “primeiro da fila” a conferir.

07/06/2021 por Ronald Perrone - 0 Comentários

VAN DAMME em dose dupla no CINE POEIRA

Tenho sido meio desleixado com a divulgação do Cine Poeira, o podcast que eu e mais duas figuras, o Luiz Campos e Osvaldo Neto, temos mantido há mais de um ano e que já está na terceira temporada. Mas como o episódio desta semana está mais que especial, faço aqui a recomendação. Porque não falamos apenas de um filme de Jean-Claude Van Damme, falamos de DOIS filmes do belga mais querido entre os fãs de cinema de ação: A COLÔNIA (1997) e GOLPE FULMINANTE (1998). Ambos os filmes são dirigidos pelo mestre de ação de Hong Kong Tsui Hark. Comentamos as duas produções e refletimos, entre outras coisas, sobre a veia autoral de Hark e da importância de JCVD para a popularização do cinema de Hong Kong.

O podcast pode ser ouvido na plataforma de sua preferência (Spotify, Anchor, Castbox, iTunes e diversos outros), basta buscar pelo Cine Poeira. Ou, se quiserem, é só dar o play abaixo. Divirtam-se.

02/08/2020 por Ronald Perrone - 1 comentário

VAN DAMME na Netflix

Jean-Claude Van Damme está preparando seu primeiro projeto com a Netflix, uma comédia de ação chamada THE LAST MERCENARY. Na trama, Van Damme interpreta um misterioso ex-agente do serviço secreto que deve retornar urgentemente à França quando seu filho é falsamente acusado de tráfico de armas e drogas.

THE LAST MERCENARY será dirigido pelo cineasta francês David Charhon, que talvez não seja muito conhecido do público, mas tem um filme que recomendo, chamado OS OPOSTOS SE ATRAEM (2012), uma comédia policial muito boa lançada em DVD no Brasil pela A2 FILMES.

THE LAST MERCENARY agora é um dos filmes mais aguardados por mim, a chance de termos um dos nossos ícones de ação envolvido em algo realmente bom é bem grande, tendo em vista que a cada, sei lá, quatro filmes que o sujeito lança atualmente, apenas um tem prestado… Van Damme também andou brincando recentemente que tem desejo de lançar um “último grade épico de artes marciais”, o que acho bem difícil se concretizar… Apostaria que essa ideia vai ficar engavetada.

Van Damme deveria mesmo é focar em finalizar e finalmente lançar o filme que dirigiu e protagonizou, o inédito FULL LOVE, que também já teve o título EAGLE PATH, cujas filmagens foram concluídas há mais de dez anos, chegou a sair um trailer disso, e até hoje nada… Será que é tão ruim assim, do cara não lançar essa merda nunca mais? Enfim, enquanto esperamos mais de JCVD, a produção de THE LAST MERCENARY já está atualmente em andamento na França. Aguardamos mais informações.

30/04/2019 por Ronald Perrone - 3 Comentários

O ALVO (1993)

A REVERBERAÇÃO DO MULLET

Antes de falar do filme em si, eu queria aproveitar alguns parágrafos iniciais para apontar um dos principais fatores pelo qual O ALVO é lembrado pelos fãs do cinema de ação. E não é por se tratar do primeiro filme hollywoodiano de John Woo, que havia despontado como um dos maiores mestres do gênero na década anterior. Ou as eletrizantes sequências de ação que pontuam a narrativa. Trata-se de um elemento estético que o personagem principal carrega em sua caracterização. O que quero dizer é que é simplesmente impossível não associar O ALVO aos mullets de Jean-Claude Van Damme.

Já perdi as contas de quantas vezes, numa conversa sobre filmes de ação, comentam sobre O ALVO e alguém lembra: “Ah, é o filme que Van Damme tá de mullets…”

Mullet é um corte de cabelo que se caracteriza pelo aspecto curto na frente, em cima e nos lados, mas longo na nuca. Foi muito popular no início dos anos 80 e perdeu força na virada da década. Mas em 1993, ano de produção de O ALVO, JCVD aparece com esse corte fora de moda, um corte até inconveniente, uma coisa em descompasso com o mundo. É evidente que os mullets de Van Damme não estão ali por acaso. Ninguém iria pensar na figura do belga de mullets àquela altura com a intenção de ficar “maneiro”, até porque o visual do cabelo do personagem como um todo é bem ridículo. No entanto, os mullets de Van Damme conferem uma dimensão maior como elemento de composição artística do filme, porque pelas câmeras de John Woo ela ganha valor estético.

O Inácio Araújo tem um comentário bacana nesse sentido, mas era sobre o chapéu do detetive Popeye Doyle, interpretado por Gene Hackman em OPERAÇÃO FRANÇA, de William Friedkin. Ele dizia que às vezes se pensa que o difícil em cinema é ter grandes idéias, quando na verdade o difícil é achar um pequeno detalhe que dá vida aos filmes e os mantém vivos. Como o chapéu de Popeye Doyle. Como os mullets de Van Damme…

A lógica do mullet como consciência estética para Woo fica bem clara já na primeira aparição de Van Damme em O ALVO. Dentro de um restaurante, o personagem come sua refeição diária de trabalhador honesto. Woo filma o sujeito de costas e os planos seguintes, mais aproximados, e cada corte, dão ênfase ao excesso de cabelo que o personagem possui na parte de trás da cabeça. Quando, logo a seguir, Van Damme precisa entrar em ação, os mullets começam a fazer mais sentido, ganhando forma e deslocamento no firmamento com imponência aos gestos, aos golpes desferidos por Van Damme contra os meliantes que mexeram com a mocinha.

E isso se repete no decorrer da trama em momentos dignos de antologia. Por exemplo, quando Van Damme dá um soco numa cobra para lhe arrancar o seu chocalho com os dentes e montar uma armadilha. Ou numa das cenas que nunca vai sair da minha mente, quando Van Damme está em cima de uma motocicleta como se estivesse surfando uma prancha, pegando uma onda, atirando nos bandidos, de carro, indo em sua direção. E no quadro, os mullets se descobrem íntegros, sempre criando uma aura que cinge esse indivíduo na luta contra o mal. Na verdade, o que se vê por aqui é uma certa reverência ao se filmar Van Damme. Um respeito pela figura de Van Damme, de uma maneira que nunca havia se dado em nenhum filme do ator até ali. Nem mesmo em suas obras mais pessoais.

É como se Woo tivesse a oportunidade de filmar Marlon Brando. Ora, não se filma Marlon Brando de qualquer jeito. É preciso uma certa consideração ao ator mediante à sua grandiosidade. E Woo a tem por Van Damme, que a merece. O diretor transforma a figura do belga numa entidade mística em O ALVO e, sob suas lentes, Van Damme nunca esteve tão simbólico. O elemento máximo da construção do seu cânone por aqui, é sem dúvida alguma, seus mullets.

Vamos ao filme. Van Damme é Chance Boudreaux, um Cajun de New Orleans que cai de paraquedas numa situação envolvendo uma moça em busca de seu pai, numa trama que é mais uma variação do clássico THE MOST DANGEROUS GAME, que no cinema teve sua primeira adaptação em 1932, dirigido por Irving Pichel e Ernest B. Schoedsack (que foi diretor de KING KONG, a primeira versão dos anos 30). No Brasil, é conhecido como ZAROFF – O CAÇADOR DE VIDAS, e conta a história de um caçador maluco que arranja um navio cheio de gente para ser afundado perto de uma ilha onde ele bota em prática seus dotes como caçador pra cima dos passageiros sobreviventes.

Em O ALVO, temos Lance Henriksen e Arnold Vosloo, como dois empreendedores (e também um “casal”, aparentemente) muito bem sucedidos nos seus negócios, que consiste em proporcionar a Milionários – que querem passar o tempo de lazer aliviando seus desejos mais íntimos, primitivos e sádicos – a oportunidade de praticarem uma boa e velha caçada humana. As vítimas geralmente são homens sem nada na vida, moradores de rua, sem dinheiro, família e com uma chance de ganhar uma pequena fortuna… se sobreviverem à caçada. Se não sobreviverem, bem, já estarão mortos, não ganham nenhum prêmio de consolação.

Numa pequena falha na escolha de uma nova vítima, o pai de Nat Binder (Yancy Butler) acaba morto em uma dessas caçadas humanas. E o cajun ajuda a moça a descobrir o que aconteceu. Eventualmente, Chance é arrastado para um desses “jogos” e tem que se virar para sobreviver. Obviamente, sobreviver neste caso é inverter a situação, e Van Damme utiliza todos os seus conhecimentos do local para pregar armadilhas e atrair os mercenários para dentro de um velho galpão no qual são guardados carros alegóricos do carnaval de Mardi Gras e onde acontece uma das melhores sequências de ação de toda a carreira de JCVD.

É a combinação perfeita. Woo, que chega no ocidente com toda a pompa e prestígio, tendo realizado alguns dos melhores filmes de ação do período, como THE KILLER, BALA NA CABEÇA e FERVURA MÁXIMA, e Van Damme, um dos maiores astros do cinema de ação do período sendo filmado da maneira correta, imponente badass e com um mullet inesquecível. O ALVO acaba tendo muito de Woo, com todas as singularidades do diretor jogadas na tela: cenas de ação estilizadas e cartunescas, filmadas em múltiplos ângulos, o uso dos espaços (o visual da sequência final em meio aos carros alegóricos é um deslumbre), câmera lenta estilosa, malabarismos com corpos e veículos que desafiam as leis da gravidade, até os pombos brancos voando pra lá e pra cá se materializam aqui, uma das assinaturas do diretor.

A já citada sequência final, que se desenrola em um armazém cheio de carros alegóricos, é uma autêntica aula de cinema. E apresenta ao público americano, com uma produção americana, todo o arsenal do estilo vindo direto de Hong Kong. Mostra o que é capaz de fazer um diretor que pensa a ação e tiroteios como uma linguagem cinematográfica própria, na sua escala mais épica possível, especialmente quando dispõe de um orçamento gordo, muitas câmeras, gruas, e efeitos especiais pirotécnicos de primeira. Van Damme encarna uma espécie de Chow Yun Fat cajun e de mullets, e com duas pistolas em cada mão aproveita-se da superabundância de munição que os filmes de ação orientais se privilegiam para encher seus oponentes de balas – e alguns chutes de vez em quando – enquanto Woo conduz o seu balé de corpos, balas, sangue e fogo.

Woo ainda faria alguns belos exemplares de ação em Hollywood, como A ÚLTIMA AMEAÇA e MISSÃO: IMPOSSÍVEL 2, e pelo menos uma obra-prima, A OUTRA FACE. O nível foi baixando no novo milênio e há tempos não lança uma obra com o mesmo patamar de outrora. Filmes como O ALVO precisam, portanto, voltar à tona para lembrar como Woo era bom, seja pelas sequências de ação, seja pelo valor artístico dado a um detalhe tão simples, como os mullets de Van Damme, mas que mantém o filme vivo na lembrança de quem assistiu nos anos 90 em VHS ou na programação da TV, como uma marca registrada nostálgica e um forte elemento estético. Mesmo que o público atual, acostumados com os produtos de ação contemporâneos, ache um adorno ridículo.

Não tenho nada contra o que é feito hoje em termos de ação, adoro JOHN WICK e VELOZES E FURIOSOS, por exemplo, mas O ALVO e outras produções do período possuem um outro conceito de ritmo narrativo, que toma seu tempo e constrói as coisas com mais cuidado. Como disse, Woo conduz a ação e os corpos como um balé. Vale a pena livrar os olhos do preconceito e de certos cacoetes do cinema de ação atual e aproveitar toda a beleza do cinema de Woo/Van Damme. Agora, quem cresceu assistindo a filmes desses caras, O ALVO é obrigatório para se rever e rever…

Texto escrito originalmente para o site Action News, em 12/02/19

28/09/2018 por Ronald Perrone - 1 comentário

VENCER OU MORRER (Nowhere to Run, 1993)

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Cada vez é mais raro isso acontecer, mas quando se pensa na carreira de Jean-Claude Van Damme, dificilmente alguém vai se lembrar logo de cara de VENCER OU MORRER (Nowhere to Run), obra que até teve relativo sucesso na TV e nas locadoras, mas fica ali espremido entre os monumentos SOLDADO UNIVERSAL e O ALVO. Mas é um exemplar que possui certas peculiaridades dentro da filmografia de JCVD e que o torna especial.

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VENCER OU MORRER é um daqueles filmes claramente apoiados numa certa estrutura de faroeste, mas sem ser um de fato… A trama se passa nos “dias atuais”, mas não há nem uma iconografia do gênero, chapéus de cowboy ou saloons para dizer que é um western moderno. No entanto, vejamos: um fora-da-lei fugitivo vai parar nos arredores de uma pequena cidade, perto de uma fazendo cuja a proprietária é uma viúva que está sendo intimidada para vender suas terras. O fora-da-lei a ajuda, confronta um xerife que não é exatamente mau, mas tem medo de resistir ao poderoso vilão que desperta o temor de todos ao seu redor com “propostas irrecusáveis” para comprar seus terrenos. O fora-da-lei acaba “morando” no celeiro da fazenda, onde faz amizade com o filho pequeno da mulher, mas ao invés de um cavalo, arruma uma motocicleta quebrada, conserta e tenta deixar a cidade, não sem antes se livrar do vilão e de seus capangas à base de murros e pontapés e buscar sua própria remição moral… É praticamente uma live action das histórias do Tex Willer versão porrada. Ou, como já foi comparado diversas vezes, VENCER OU MORRER é OS BRUTOS TAMBÉM AMAM Van Damme version…

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Van Damme é Sam, um prisioneiro que logo no início do filme ocupa um lugar em um ônibus de prisão, sendo transportado por uma estrada deserta. Numa sequência de ação eletrizante, um carro corta o ônibus de forma agressiva fazendo com que o busão capote dezenas de vezes. Acontece que tudo isso faz parte de um plano de resgate para liberar Sam, praticado brilhantemente por um parceiro que não pensou na possibilidade de seu amigo terminar a capotagem morto ou com a coluna fraturada tendo que passar o resto dos seus dias numa cadeira de rodas… Mas deu tudo certo, graças a Deus, e Van Damme e todos os outros prisioneiros são libertados, independente se são assassinos, estupradores, pedófilos ou políticos corruptos…

Sam e seu amigo entram no carro e partem em fuga. No entanto, um policial tem um lampejo de Dirty Harry, pega rapidamente um rifle e manda um tiro certeiro no parça de Van Damme. Ambos conseguem ainda escapar, mas a ferida é mortal. O sujeito deixa a Sam um gravador com uma mensagem comovente, algum dinheiro e um terno, mas esqueceu de deixar um bigode falso, portanto não pode exatamente começar a procurar um emprego… Então, ele encontra um bosque e um lago isolados para acampar e ler revistas de mulheres nuas. Há uma casa nas redondezas e Sam resolve xeretar – e tem uma bela visão da Rosanna Arquette peladona.

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A mulher é a tal viúva dona do terreno local. Ela tem um casal de filhos e o menino, interpretado por Kieran Culkin, acaba encontrando o acampamento de Sam (os policiais não conseguem encontrá-lo, mas um garotinho consegue fácil) e os dois iniciam uma amizade que se desenvolve até o moleque tê-lo como a figura paterna que lhe falta… Os primeiros 40 a 45 minutos do filme são lentos e, exceto a sequência da fuga no início, não há muita ação. Mas esse tempo é bom para construir os personagens e estabelecer a história e essas relações que o filme propõe, entre Sam e o garotinho, mas também entre Sam e a personagem de Arquette, que a princípio vê o sujeito como um estranho, depois como herói até vê-lo como… Bem, digamos, que não demora muito para compartilharem a mesma cama…

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Uma vez que a ação começa em VENCER OU MORRER, as coisas melhoram ainda mais. A ação não é lá extravagante ou elegante como em outros filmes de Van Damme (O ALVO ou DUPLO IMPACTO), e não há os tradicionais chutes altos ou os espacates do sujeito, porque JCVD é um cara normal por aqui, humano e cheio de fraquezas. Na verdade, um detalhe que realmente diferencia o que JCVD havia feito até aqui na carreira, é o fato de ser o primeiro filme em que seu personagem não possui habilidades em artes marciais. Sam é um criminoso, um fora-da-lei, obviamente cresceu num lugar barra pesada, teve que lutar na vida, mas não teve a mordomia de entrar numa academia de karatê… Então a ação é mais realista, grosseira e fundamentada. Ainda assim, o diretor Robert Harmon (A MORTE PEDE CARONA) faz algumas coisas legais com a câmera, sabe criar momentos de pancadaria e perseguições com bastante eficiência. Uma das minhas favoritas é a sequência em que Sam tenta uma fuga de motocicleta com uma frota de policiais na sua cola… Realmente intenso.

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A sequência final também é muito boa, com algumas sacadas criativas. Há um momento especial que é ótimo: Van Damme pula em cima de um sujeito que tem uma espingarda nas mãos e os dois atravessam a janela do sótão da casa, rolam pelos telhados e caem. Daí, há um plano de dentro da casa, uma parede, com quadrinhos pendurados e de repente PIMBA! Um tiro da espingarda explode a parede e através do buraco continuamos a vê-los lutando do lado de fora. Sim, havia um tempo em que os diretores guardavam as melhores ideias para o final…

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Vale destacar o fato de que o cara que sai pela janela com Van Damme nessa cena é o grande Ted Levine (o eterno Buffalo Bill de O SILÊNCIO DOS INOCENTES), que é o principal capanga do bandidão vivido por Joss Ackland (que já havia encarnado pessoas de caráter duvidoso em MÁQUINA MORTÍFERA 2). Rosanna Arquette entrega uma performance dramática bem melhor que a maioria das atrizes que embarcam em filmes de ação como esse e, ao mesmo tempo, está disposta a fazer algumas ceninhas de nudez, o que eleva o material – apesar de dizer em várias entrevistas que detestou trabalhar com JCVD. Kieran Culkin também é legal – tá certo que não precisamos de um personagem infantil tão importante num filme de ação, mas o moleque é capaz de atuar e vira uma referência para o protagonista na sua busca de redenção.

Obviamente, o melhor do elenco é Van Damme. Acho que é em filmes como VENCER OU MORRER que o belga se vê desafiado a fazer um trabalho mais dramático e de mostrar suas aptidões como ator, e não ser apenas um simples tough guy, num personagem ambíguo e performance minimalista, sutil, com poucos diálogos e uso correto da expressão do corpo (sim, ele aparece nu, e na frente de crianças) sem fazer tanta pose como em seus filmes anteriores.

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Uma curiosidade é que o roteiro original escrito por Joe Eszterhas (que colaborou com Paul Verhoeven em filmes como INSTINTO SELVAGEM) e Richard Marquand (mais conhecido por ter dirigido O RETORNO DE JEDI), era um drama sem qualquer sequência de ação e seria estrelado por Mel Gibson, até virar um veículo de ação de JCVD. Eszterhas acabou pedindo para não ter seu nome ligado ao projeto e Marquand teve que reescrever o roteiro para ficar mais ao gosto do belga. O que não conseguiu, o próprio Van Damme diz que não gostou do roteiro. Mas o que importa é o resultado, o que tá na tela, e apesar de não ser um dos melhores “JCVD movies”, acho VENCER OU MORRER um trabalho sólido que vale a pena rever de vez em quando…

28/09/2018 por Ronald Perrone - 6 Comentários

DUPLO IMPACTO (Double Impact, 1991)

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Curioso pensar que Jean-Claude Van Damme, no auge da primeira fase de sua carreira, ainda estava na fissura de provar mais uma vez suas habilidades, não apenas como homem de ação badass, mas como um ator com certas qualidades dramáticas, antes de encarar super produções bancadas por grandes estúdios.

Não bastou LEÃO BRANCO, CYBORG e GARANTIA DE MORTE, filmes que o belga conseguia sair um pouco da zona de conforto e tentava desenvolver figuras diferentes umas das outras. Ou pelo menos encenava situações que exigissem mais de JCVD como ator dramático. Mas foi com DUPLO IMPACTO que essa ideia de deixar sua marca como um artista mais refinado, mesmo trabalhando em filmes de gênero, chega ao seu limite máximo. Definitivamente o filme mais desafiador de sua carreira até então, com o belga dividindo a tela e lutando lado a lado com seu ator favorito: ele mesmo.

Posteriormente, Van Damme interpretaria mais de um papel num mesmo filme, como RISCO MÁXIMO e REPLICANTE, mas nada parecido como encarnar os irmão gêmeos Chad e Alex. Inspirado no clássico da literatura Os Irmãos Corsos, de Alexandre Dumas, DUPLO IMPACTO é sobre esses dois irmãos, separados com seis meses de vida, que se reúnem depois de vinte e cinco anos para encher qualquer meliante que entre em seus caminhos de tiro, porrada e bomba em prol de uma vingança contra os assassinos de seus pais.

A trama mesmo não tem lá muita importância, é mera rotina para o desenvolvimento das duas práticas que realmente valem em DUPLO IMPACTO, que são as sequências de ação e a construção dos dois personagens centrais, ambos interpretados por Van Damm, e como o sujeito consegue lidar com esse empreendimento. Nos dois polos, o filme se sai de maneira brilhante.

Van Damme nunca esteve tão envolvido num projeto como em DUPLO IMPACTO. Concebeu a história, e vejam só, inspirado em literatura clássica; escreveu o roteiro (juntamente com o diretor Sheldon Lettich); dirigiu as cenas de ação; e teve a ousadia de interpretar dois personagens totalmente diferentes, que em certas ocasiões interagem entre si. E por mais difícil que se possa acreditar, Van Damme convence. Por isso enfatizo que se a ação é crucial em DUPLO IMPACTO, o mesmo tem de ser dito sobre a performance de JCVD.

Na trama, Chad foi criado num orfanato de freiras francesas em Hong Kong (motivo pelo qual possui sotaque francês) e cresceu nas ruas, envolvido com criminosos, calejado desde cedo com as dificuldade da vida dura. O outro, Alex, é mais sensível e inocente. Conseguiu ser levado pelo guarda-costas de seus pais, Frank (Geoffrey Lewis) para a França (mais uma explicação para o sotaque) e depois foram para L.A. montar uma academia, onde dá aulas de ginástica e karatê. Um sujeito que nunca teve que arregaçar as mangas e teve certos privilégios. Personalidade e caráter opostos, mas numa dessas coincidências amadas pelos fãs do gênero, a única coisa que ambos têm em comum é o talento em artes marciais.

E ao rever o filme recentemente, meu cérebro entrou em colapso e tive sérias dúvidas se Van Damme, na construção de ambas personagens, não teria estudado o famoso método de Stanislávski e se tornado ator da mesma estirpe de um Marlon Brando e Paul Newman. Basta observar a sutileza do olhar, das expressões, o comportamento em cena quando encarna Alex, ou o jeito grosseiro na representação de Chad… E você realmente acredita que há dois JCVD’s no filme.

Mas não vamos esquecer que DUPLO IMPACTO é um filme de ação. E é importante também para JCVD mais a capacidade de encarar Bolo Yeung num “mano a mano” do que demonstrar seus sentimentos diante de seu irmão gêmeo – o que na verdade o faz com incríveis resultados, como quando Chad pensa que sua namorada está pulando a cerca com Alex e, num frenesi de ódio, enche a cara e quebra tudo o que vê pela frente, numa atuação digna de um Leão de Ouro em Veneza. Mas quando o sujeito têm que espreitar por trás de um inimigo e quebrar seu pescoço sem chamar a atenção de outros bandidos, aí, meus caros, Van Damme é pura poesia…

O sujeito nunca esteve tão bem em frente às câmeras. Há uma sequência em que Chad tira um guarda de circulação e percebe a chegada de outros. Ele pega uma pistola em câmera lenta, enquanto seus adversários chegam atirando com metralhadoras, que obviamente nunca vão acertar o nosso herói, só para que o ele ainda em slow motion, faça uma pose cinematográfica, enrijeça seus músculos do braço e comece a atirar precisamente em cada bandido. Uma coisa linda para os fãs, mas que daria um autêntica úlcera aos cinéfilos que frequentam espaços culturais e cinemas “de arte”.

A ação do filme é simplesmente espetacular, com a classe e objetividade formal que esse tipo de cena merece. E a direção de Sheldon Lettich, que já havia dirigido Van Damme em LEÃO BRANCO, é muito energética. Alguns tiroteios são inspirações óbvias do cinema de Hong Kong, com Chad empunhando duas pistolas em trocas de tiros frenéticos. Curioso que a primeira escolha para a direção do filme era Albert Pyun, que também já tinha trabalhado com Van Damme, em CYBORG. Embora seja um hábil diretor de ação, sua pegada é bem diferente, abstracionista e experimental… Talvez DUPLO IMPACTO hoje fosse um objeto de arte nas mãos de Pyun. Seria demais para o meu coração. Então é melhor deixar como está.

As sequências de luta em DUPLO IMPACTO podem não ter uma coreografia de encher os olhos, mas a maioria são realizadas em contextos e cenários que deixam tudo mais tenso e emocionante. Algumas até possuem boas sacadas visuais, como a que Chad enfrenta um sujeito na penumbra, num excelente trabalho atmosférico de fotografia e jogo de sombras.

DUPLO IMPACTO deve ser o filme de Van Damme com a maior galeria de vilões interessantes amontoados numa mesma história. São dois cabeças do crime, responsáveis pela morte dos pais dos gêmeos, vividos por Alan Scarfe e Philip Chan, mas também seus capangas: uma mulher musculosa cuja chave de perna seria capaz de estraçalhar uma laringe; há um sujeito que usa botas com esporas e mata suas vítimas com chutes que rasgam o pescoço do infeliz; e a cereja do bolo… er… que é literalmente o Bolo Yeung, uma escolha pessoal do próprio Van Damme para compor o elenco. Os dois ficaram amigos íntimos depois de contracenarem em O GRANDE DRAGÃO BRANCO.

Vale destacar ainda no elenco o grande Geoffrey Lewis, que consegue, no meio desse monte de brucutus, ser um dos personagens mais badasses de DUPLO IMPACTO. A sequência inicial em que salva os gêmeos da execução é um primor. E também Alonna Shaw, que faz a namorada de Chad e oferece alguns dos momentos mais calientes do filme.

É verdade que em termos narrativos, não há nada de novo para se ver aqui. Trata-se de mais um filme de ação do período como outro qualquer nesse sentido. O que não deixa de ser um ótimo exemplar do gênero com o suficiente para uma agradável sessão num domingo à tarde acompanhado de uma cerveja bem gelada. No entanto, DUPLO IMPACTO é bem mais que isso. Algumas situações mais movimentadas são realmente criativas e pensadas para se tornarem antológicas. E conseguem facilmente essa proeza, ou quem viu o filme quando era moleque esquece do épico confronto entre Van Damme e Bolo Young? Além disso, temos o fator Van Damme em dose dupla, que eu, particularmente, considero seu melhor desempenho. Seja no esforço para construir dois personagens opostos, seja nas sequências de ação com seu singular “cinema corpo”, seja usando uma calça legging atochada no rabo fazendo espacate diante de várias garotas… Um clássico.

28/09/2018 por Ronald Perrone - 2 Comentários

GARANTIA DE MORTE (Death Warrant, 1990)

bscap0066 (1) Não é nada incomum um action hero badass ter pelo menos um “filme de prisão” no currículo. Sylvester Stallone tem três: CONDENAÇÃO BRUTAL, ROTA DE FUGA (que fez com Schwarzenegger) e se levarmos em consideração, boa parte de TANGO E CASH… Don The Dragon Wilson tem BLOODFIST III: FORCED TO FIGHT; David Bradley fez HARD JUSTICE; Wesley Snipes tem UNDISPUTED, até um Clint Eastwood fez FUGA DE ALCATRAZ e Steve McQueen, PAPILLON. Acho que o Bronson e o Chuck Norris não tem, não sei se vale BRADDOCK 2. Mas não importa, existem tantos outros exemplos… Steven Seagal queria fazer um no início dos anos 90, mas acabou perdendo o papel para um baixinho belga que estava entrando no auge como astro de filmes de ação. O resultado foi GARANTIA DE MORTE, de Deran Sarafian, estrelado por Jean-Claude Van Damme.

O filme foi o primeiro script escrito por David S. Goyer, hoje um dos principais roteiristas dessas produções da DC Comics. Na época, ainda estudante da USC. A trama começa com o detetive Louis Burke (Van Damme), da Royal Canadian Mounted Police (sempre havia alguma coisa para explicar o sotaque de JCVD nesses primeiros filmes, coisas do tipo “depois de você ter morado com a mãe na Europa“, sabe?) que está em L.A. no rastro de um notório serial killer conhecido como The Sandman (Patrick Kilpatrick), responsável também pela morte do parceiro de Burke. Então trata-se inclusive de um caso pessoal de vingança.

Logo na cena inicial, Burke está espreitando ao lado de um prédio abandonado onde supostamente está The Sandman, quando três meliantes começam a incomodá-lo. Rapidamente, arrebenta com eles soltando seus chutes altos, apresentando ao público o que o sujeito é capaz. Simples e prático. GARANTIA DE MORTE é mais um exemplar com o selo JCVD!

Burke entra no prédio. Quando menos espera, The Sandman lhe faz um ataque surpresa. O detetive consegue atirar nele uma vez. “Você não pode me matar – eu sou o Sandman“, diz o serial killer. Burke, que não está para brincadeiras, enche o vilão de chumbo grosso, que cai sem vida. Em seguida, corta para dezesseis meses depois. O protagonista volta a L.A. para se encontrar com o procurador-geral Tom Vogler (George Dickerson), que é encarregado de uma operação especial para investigar uma série de mortes misteriosas que ocorreram dentro da Prisão Estadual.

A ideia é meter Burke lá dentro, disfarçado. “Você é do Quebec, então ninguém vai te reconhecer“, é o que dizem a ele. Então JCVD vai para a prisão.

Mal chega no local, Burke encontra todos os tipos habituais de esteriótipos de filmes de prisão; guardas sádicos, o velho prisioneiro mais sabido, Hawkins (Robert Guillaume); o médico da prisão; seu parceiro de cela, que tenta se impor para conseguir uma chupada, mas Burke deixa claro, de forma brusca, que não é do tipo, e os dois acabam ficando amigos; e, claro, aquele personagem que sempre consegue fazer qualquer coisa de dentro da prisão, conhecido aqui como Padre (Abdul Sazaam El Razzac), que vive numa espécie de porão da prisão, local esfumaçado de maconha e cheio de travecos. “Até os guardas não descem aqui“, diz alguém.

Logo, Burke começa a investigar, procurando pistas para descobrir por que alguns presos acabaram comendo capim pela raiz. Aos poucos, os mistérios vão sendo revelados, Burke percebe que todas as vítimas possuem detalhes em comum em suas fichas médicas. Finalmente, o sujeito descobre que os corpos dos prisioneiros falecidos estão sendo usados para recolher órgãos para serem vendidos no mercado negro.

Infelizmente para o nosso herói, e para a surpresa de todos, The Sandman está vivíssimo e é transferido para a prisão (e parece muito bem pra quem teve o corpo cravado de balas) e imediatamente expõe a identidade de Van Damme ao resto dos prisioneiros, o que não o torna exatamente a pessoa mais popular no local. Tudo isso leva a um impressionante final, quando The Sandman liberta TODOS os prisioneiros de suas celas, que perseguem o nosso herói pelos corredores da prisão, num verdadeiro pandemônio, sedentos por sangue de policial! Com a ajuda de Hawkins e do Padre, Burke consegue chegar à área das caldeiras da prisão, onde reencontra The Sandman e tem início a uma batalha final épica entre Van Damme e Patrick Kilpatrik.

O diretor de GARANTIA DE MORTE é Deran Sarafian, filho do grande Richard C. Sarafian, diretor de clássicos como VANISHING POINT. E o sujeito parece ter herdado o talento do pai. Filma bem pra cacete! É um nome do cinema de ação a ser descoberto. O cara trabalha com maestria uma steadicam que faz o filme se mover com muita fluidez. E isso também ajuda nas cenas de luta. Não que as coreografias sejam espetaculares ou tão elaboradas, mas o cara sabe onde colocar a câmera para realmente mostrar o que diabos está acontecendo nas sequências de ação. É uma das coisas que sinto falta dos anos 90, uma ação de claro senso de coreografia e geografia.

Um bom exemplo disso em GARANTIA DE MORTE é o grande encontro entre Van Damme e o eterno capanga dos filmes de ação americanos dos anos 90: Al Leong. Primeiro, há uma cena em que Burke ajuda Hawkins quando um membro de uma gangue latina o aborrece. Nada que um pontapé na cara bem colocado não resolvesse. E este ato nos leva a um dos encontros mais badasses do cinema testosterona. Ao limpar a lavanderia, sozinho e à noite, seja lá por qual motivo, Burke é abordado pelo tal latino que havia chutado a cara, acompanhado de um amigo. E entra em cena Al Leong. É uma luta rápida, mas divertida de se ver, com Leong usando uma corrente e Van Damme desferindo seus golpes com muita habilidade e finalizando ao colocar a cabeça do sujeito em uma máquina de lavar roupa. Esta foi, infelizmente, a única vez que Van Damme teve uma cena de luta com Al Leong.

Em termos de atuação, Van Damme dá o seu melhor dentro dos seus limites, mas é carismático e está realmente em forma paras as cenas de luta por aqui. O sujeito convence em passar a angústia que o personagem atravessa em aceitar uma missão de alto risco, especialmente nas sequências em que o Burke vai parar na solitária (outro clichê básico de filmes de prisão), embora em nenhum momento GARANTIA DE MORTE procure filosofar em cima dos atos de seu personagem. Tudo é muito direto sem preocupações morais. É matar ou morrer, olho por olho, dente por dente e foda-se. Cynthia Gibb, que vive a advogada que atua disfarçada como a esposa de Burke, para trocarem as informações que ele conseguir, também merece destaque, tem um papel bastante ativo na história. Burke e ela, a princípio, não parecem se dar bem, mas vocês já devem imaginar o que vai acontecer… Como na cena da suposta visita íntima que acaba ficando REALMENTE íntima!

Mas o grande ladrão de cenas é Patrick Kilpatrick. O sujeito tem interpretado principalmente vilões em toda a sua carreira (seu rosto contribui muito pra isso), em filmes como A FORÇA EM ALERTA 2 e QUEIMA DE ARQUIVO e está simplesmente devastador como The Sandman, provavelmente o melhor personagem que já fez na vida. As sobrancelhas de Kilpatrick foram descoradas dando-lhe um olhar realmente assustador e inquietante. É um desses vilões que dá gosto de ver em cena, apesar de não aparecer tanto por aqui. Uma das coisas que mais gosto em GARANTIA DE MORTE é a misteriosa lógica sobre a indestrutibilidade do personagem. Sério! Depois de sobreviver aos tiros no inicio do filme, o cara é chutado para dentro de uma fornalha na luta final, para logo em seguida, envolto das chamas, continuar lutando. Mas ei, é um filme do Van Damme. Quem se importa com a lógica?

GARANTIA DE MORTE seria mais um belo exemplar da gloriosa Cannon Films, com o título DUSTED, mas durante a produção, a Cannon finalmente entrou em falência e a MGM acabou assumindo grande parte das suas produções. DUSTED foi renomeado DEATH WARRANT e lançado nos cinemas no início do estrelato de Van Damme. E com ótimos resultados de bilheteria! Filme de ação/prisão movimentado, tenso, de apenas 89 minutos, bem filmado e com uma história realmente envolvente (embora previsível), com alguns personagens divertidos e todos os clichês de filme de prisão dos anos 90… É, o resultado não poderia ser diferente.

Ah, e só pra constar, Steven Seagal conseguiu fazer seu filme de prisão alguns anos depois, já na sua fase direct to video, com NO CORREDOR DA MORTE, de 2002… Mas é assunto para algum post futuro.

28/09/2018 por Ronald Perrone - 4 Comentários

LEÃO BRANCO – O LUTADOR SEM LEI (1990)

LEÃO BRANCO – O LUTADOR SEM LEI talvez mereça ser observado com mais atenção. Não que seja maltratado ou coisa do tipo, os fãs de filmes de luta até gostam, mas poucos veem algo a mais. E quem estou tentando enganar? Provável que nem exista esse “algo a mais”. É simples, direto, filme da mais pura essência narrativa voltada para a pancadaria como eram tantos outros que alegravam a infância dos moleques nos anos 90. Ou seja, funciona perfeitamente como aquilo que se propõe a ser, um veículo para Jean-Claude Van Damme demonstrar seus talentos em artes marciais e contar uma história que lhe proporcione isso. E só. No entanto, revendo essa semana, percebi umas nuances subjetivas por trás de toda a simplicidade narrativa que colocaria LEÃO BRANCO como o filme mais definitivo dessa fase inicial pós-estrelato da carreira de JCVD.

É o filme que sintetiza a obra de Van Damme: a linguagem do físico, do corpo como instrumento de dramaturgia, dos excessos, dos desacertos, da superfície, da maneira mais intensa que qualquer outro filme estrelado por ele até então. Principalmente em como se entrega a este personagem específico, Lyon, o legionário desertor, que foge para os Estados Unidos após receber a notícia que seu irmão está à beira da morte. Entrega-se mais até do que ao interpretar Frank Dux em O GRANDE DRAGÃO BRANCO, ou quando viveu Kurt Sloane em KICKBOXER, pra ficar em dois dos seus filmes de maior sucesso no período. Há uma expressão facial que Van Damme carrega todo o filme, um olhar que o desconstrói como típico herói dos “kickboxer movies”, um olhar insuportavelmente triste, vulnerável, um olhar de pedra no qual só vejo paralelo em um Buster Keaton.

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É a partir daqui que Van Damme prova estar preparado para encarar o peso de ser o astro de ação que fora nos anos 90. É como se depois de ter atingido o estrelato com seus primeiros filmes, o sujeito quisesse confirmar seu propósito como ator e realizar alguns trabalhos mais pessoais e intimistas – ainda que totalmente subjugados ao gênero, mas que também faz parte das suas idiossincrasias – antes de finalmente alçar vôos maiores. LEÃO BRANCO é o resultado dessa prova, um filme menor, mas que lá no fundo sintetiza toda uma carreira que estava por vir e reafirma o fenômeno Jean-Claude Van Damme dos anos 90.

Mas vamos à trama, que também nos interessa. A história começa em Los Angeles, com François, um sujeito que é incendiado durante uma negociação de tráfico de drogas. Ele sobrevive, mas tem o corpo todo queimado e grita por seu irmão, Lyon! Mas Lyon está no norte da África fazendo trabalhos forçados para a Legião Estrangeira Francesa. Quando recebe a notícia sobre o estado de seu irmão, conversa com seus superiores para pedir uma licença ou algo parecido para poder visitar o ente querido. Mas seus superiores são filhos da puta o bastante para não deixar. O jeito é escapar, arrumar um barco e ir para os EUA.

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Chegando em Nova York às duras penas, sem um puto no bolso, percebe uma movimentação estranha debaixo de um viaduto. Descobre um pequeno negócio de luta clandestina rolando solto em plena luz do dia e vê a oportunidade de, à base da pancada, descolar uma grana. Lyon não perdoa, quebra a cara do seu oponente e ainda ganha um autoproclamado agente de lutas, Joshua (Harrison Page), que promete levá-lo para L.A. Acaba, no entanto, se envolvendo num universo de lutas clandestinas bem maior, onde rola muita grana e diverte milionários entediados com lutas de boxe convencionais, buscando uma emoção a mais. Uma das responsáveis pelo circuito é Cynthia, interpretada por Deborah Rennard (GUERREIROS DO APOCALIPSE), que além de perceber potencial em Lyon, faz de tudo para usar o corpo do sujeito para outras coisas… Vale destacar também a presença do grande Brian Thompson (COBRA) como braço-direito de Cynthia.

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Ao desembarcar em L.A, Lyon descobre que seu irmão já bateu as botas e agora tem de lidar com a viúva, Nicole (Ashley Johnson), que o culpa por tê-lo abandonado. Então decide fazer a única coisa que sabe, entrar de vez no círcuito de lutas clandestinas e ganhar dinheiro suficiente para ajudar o que resta de sua família. Ao mesmo tempo, possui dois legionários lhe vigiando, tentando prendê-lo e levá-lo de volta para ser julgado por deserção – uma situação parecida com a de Frank Dux, personagem que JCVD viveu em O GRANDE DRAGÃO BRANCO, que vai participar do Kumite em Hong Kong e dois agente do governo ficam na sua cola para levá-lo de volta. Uma curiosidade aqui é que um dos dois legionários é vivido por Michel Qissi, que é ninguém menos que o Tong Po, de KICKBOXER.

Um detalhe que gosto bastante em LEÃO BRANCO é que Lyon nunca segue a trilha da vingança atrás dos responsáveis pela morte de seu irmão. O médico diz que provavelmente o assassino já foi capturado, nunca se sabe… Mas isso basta. O filme simplesmente deixa isso de lado e o protagonista apenas se concentra em tentar compensar sua ausência e obter dinheiro para ajudar sua cunhada e a adorável sobrinha. E o faz sujando as mãos de sangue, sem que isso desperte qualquer reflexão ética sobre seus atos, não há momento para julgamentos num filme desses. É um filme de porrada, caralho, vence quem fica em pé, não importa o que aconteça! Menos ética e mais honra era a palavra de ordem dos filmes de luta dos anos noventa, algo que o politicamente correto nos fez o favor de exterminar no cinema atual, com raríssimas exceções. E que LEÃO BRANCO segue à risca.

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Mas falando em porrada, um dos principais atrativos de LEÃO BRANCO é a diversificação das cenas de luta. São vários momentos em que Lyon arregaça as mangas e arrebenta seus adversários sem que, no entanto, o filme soe repetitivo, sempre inovando em oponentes e ambientes. Cada confronto, uma narrativa, cada rival, uma personalidade diferenciada – um escocês, de kilt e tudo; um cabeludo meio capoeirista; o desafiante final, Attilla, um brutamontes que sai de uma limousine de terno preto e um gatinho branco no colo… Os cenários também se renovam em cada luta: uma garagem iluminada com os faróis de carros à uma quadra de squash ou uma piscina com água em um dos lados…

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O diretor de LEÃO BRANCO é Sheldon Lettich, co-roteirista da KICKBOXER, e faz aqui um trabalho muito seguro, mas com certa personalidade. Manda bem nas cenas de luta, coloca a câmera no lugar certo, mas em alguns momentos chega a impressionar. Há um plano, por exemplo, de Nicole e sua filha saindo do apartamento e caminhando pela rua enquanto a câmera as segue numa grua bem lenta mostrando a rua e o bairro. Não parece que o plano tenha qualquer outro propósito que isso… No entanto, de repente, a câmera chega no apartamento do outro lado da rua e, no primeiro plano, mostra um dos legionários pra fora da janela as espionando. Uma cena simples, mas filmada com a mesma elaboração que veríamos num filme de um Brian De Palma… O tipo de coisa que não se espera ver num filme do Van Damme do período.

Mas isso é o de menos. O que realmente impressiona mesmo em LEÃO BRANCO é a sua veia definidora, a presença física e grande atuação de Van Damme, numa entrega que há muito não se vê nesse tipo de filme. Vale destacar que o filme é o primeiro roteiro escrito pelo próprio JCVD (juntamente com Lettich) que é levado às telas. O que intensifica ainda mais essa ideia de entrega tão pessoal que senti nessa revisão. Ok, LEÃO BRANCO certamente não vai mudar a vida de ninguém, nem quero dizer que seja uma obra-prima a ser redescoberta. Continua sendo o filme escapista de pancadaria que se espera. Muita pancadaria, aliás. E é bem provável que eu prefira outros filmes citados aqui neste texto, além de CYBORG, outro exemplar que veio antes, e que talvez seja o meu favorito do homem. Mas deem um pouco mais de atenção ao desempenho do belga quando forem ver ou rever LEÃO BRANCO. Garanto que vão se surpreender.

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28/09/2018 por Ronald Perrone - 2 Comentários

KICKBOXER – O DESAFIO DO DRAGÃO (1989)

KICKBOXER – O DESAFIO DO DRAGÃO forma uma espécie de trilogia do “Dragão” com outros filmes que Jean-Claude Van Damme estrelou em sequência no fim dos anos 80, no seu período de ascensão. Pelo menos aqui no Brasil podemos chamar de “trilogia”, já que BLOODSPORT recebeu o título nacional de O GRANDE DRAGÃO BRANCO e CYBORG tem o subtítulo O DRAGÃO DO FUTURO.

Claro, uma picaretagem dos nossos distribuidores para associar os filmes de JCVD de alguma forma diante do público. No trabalho seguinte do belga, resolveram dar uma variada e mudaram o animal: LIONHEART ficou LEÃO BRANCO – O LUTADOR SEM LEI (1990), que em breve eu comento por aqui. Por enquanto, ficamos com KICKBOXER. É hora de enfaixar as mãos, molhar com resina, afundar em cacos de vidro e voilá, tudo pronto para mais uma sessão nostálgica com um dos nossos action heroes favoritos.

BIGODE E MULLETS. AH, OS BONS ANOS 80!

Dirigido pela dupla Mark DiSalle (produtor de O GRANDE DRAGÃO BRANCO) e David Worth (LADY DRAGON), a partir de uma história do próprio Van damme (que ficou responsável aqui pela direção das cenas de luta e provavelmente da famigerada sequência da dancinha), KICKBOXER é centrado em Kurt Sloan (Van Damme), um aspirante a lutador e companheiro do seu irmão mais velho, que por um acaso é o campeão mundial americano de Kickboxing, Eric “The Terminator” Sloan (Dennis Alexio, que realmente era campeão de kickboxing), cujos mullets e o bigodinho de trocador demonstram claramente que estamos num bom e velho filme da década de oitenta.

LIÇÃO DE KICKBOXER: NÃO SEJA UM BABACA ARROGANTE

Procurando por novos desafios, Kurt e Eric viajam para a Tailândia, onde estão os melhores lutadores do mundo. Eric desafia o campeão local, Tong Po (Michel Qissi), para um combate. Na cabeça de Eric, arrogante pra cacete, ele pensa que será moleza chegar no país, diante de uma cultura alheia, e vencer o campão tailandês com a mesma facilidade que seus oponentes habituais. Mas os problemas começam a poucos instantes do início da luta, quando Kurt busca gelo para o irmão e acaba vendo pela primeira vez o temido adversário.

Tong Po surge em cena de costas, balançando sua longa trança na cabeça careca. E praticando seu aquecimento antes de ir para luta. O que consiste em chutar o pilar do seu aposento e ver o pó cair do teto ao chão. Desculpem meu francês, mas não precisa ser um gênio para perceber antes mesmo da luta que Eric Sloane está literalmente fodido.

O estilo de luta comum da Tailândia é o Muay Thai. Ou seja, usa-se cotovelos e joelhos. Bem diferente do kickboxing que The Eliminator está acostumado. Mas Eric, orgulhoso e confiante, não acha que tem que se importar com esses pequenos detalhes, por mais que Kurt lhe suplique para que a luta seja cancelada. E, obviamente, o inevitável acontece. Eric é estraçalhado por Tong Po de todas as formas possíveis, com direito a uma cotovelada na coluna vertebral que deixa o campeão americano paralisado o resto da vida da cintura para baixo.

O ingênuo Kurt, obviamente, fica chateado com a situação. Até porque os funcionários do ginásio não lhe dão exatamente um tratamento VIP. Os caras pegam Eric, levam-no para fora em uma maca, colocam-no na rua e trancam o portão do recinto. E pronto. Felizmente, num momento de fúria ainda em cima do ringue, Tong Po desfere um chute Em Kurt, que cai, literalmente, no colo de um americano, ex-forças especiais, chamado Winston Taylor (Haskell V. Anderson III) que estava assistindo aos combates. Um jeito estranho de começar uma amizade, mas Winston acaba levando Eric e Kurt para um hospital.

“… E QUE A MÃE DELES FAZEM SEXO COM MULAS”

O resto do filme é o básico. Desejando vingança, Kurt procura treinamento para poder enfrentar Tong Po como forma de honrar seu irmão. Winston lhe apresenta Xian (Dennis Chan), um treinador localmente famoso, mas há muito tempo recluso. Relutante no início, Xian percebe algo em Kurt e concorda em treiná-lo. E tome montagens de treinamentos dos mais bizarros ao som de músicas oitentistas e inspiradoras. Kurt tem as pernas esticadas à força, pratica movimentos de artes marciais sob a água, quase quebra a perna chutando uma árvore até cair duro no chão, corre de um cão com carne presa à coxa, treina nas ruínas de antigas civilizações orientais, entre outras coisas…

Mas nada nos prepara para a melhor sequencia de KICKBOXER. O melhor teste é de longe quando Xian leva Kurt a um bar, deixa-o totalmente bêbado e o manda para dançar na jukebox com algumas senhoritas. O que leva a um bando de locais a atacá-lo. A sequência de luta é boa, mas o que torna todo este momento lendário é o gingado entusiástico de Van Damme, com um sorriso maroto, rebolando e descendo até o chão. Ui!

Mais tarde, Xian comenta o que fez os sujeitos mal encarados do bar ficarem tão nervosos, numa das frases mais brilhantes de KICKBOXER: “Eu contei que você disse que eles não eram bons lutadores… E que a mães deles fazem sexo com mulas“. Mas se fosse pra ficar ofendido apenas pela dancinha do Van Damme, eu acho que também faria todo sentido.

TONG PO E A MÁFIA TAILANDESA

Como se não bastasse apenas um vilão, que é cão chupando manga na luta, em meio a todo o treinamento de Kurt tomamos conhecimento de que há também um mafioso por trás de Tong Po. Freddy Li (Steve Lee) comanda uma organização criminosa que toca o terror nos pequenos comerciantes. E ainda apimenta mais a situação de Kurt em sua jornada de vingança. Em determinado momento, por exemplo, ele sequestra Eric para chantagear Kurt e garantir que o americano perca o combate. A coisa fica mais pesada ainda quando seus capangas chegam ao ponto de prender a namoradinha de Kurt, sobrinha de Xian, para que seja estuprada por Tong Po. Tudo para desestabilizar o nosso herói. Esses caras não têm escrúpulo algum…

E Tong Po, como podem ver, não é apenas um adversário a ser batido em cima do ringue. O sujeito é o mal personificado e tem esse background ligado à máfia. Além de ser um estuprador filho da puta. Po não tem tanto tempo em cena para apresentar realmente uma personalidade. Da mesma maneira que Chong Li em O GRANDE DRAGÃO BRANCO. É apenas o típico vilão retratado como um monstro, uma unidimensionalidade que se encaixa perfeitamente ao tipo de filme que temos aqui.

Curioso que nos créditos iniciais, Tong Po seria interpretado por “ele mesmo.” Como se Tong Po realmente existisse. Seria algum famoso lutador que não se importa de ser retratado dessa maneira? Era o que eu pensava quando assistia ao filme na minha infância. Bem, por mais tentador que seja essa ideia, a verdade é que o sujeito é interpretado por Michel Qissi, um lutador profissional, amigo de infância de Van Damme. Foi o seu treinador pessoal para O GRANDE DRAGÃO BRANCO (além de ter uma pequena participação no filme, é ele que tem a perna quebrada por Chong Li). Em KICKBOXER, colocaram uma maquiagem no homem para parecer asiático, a célebre trancinha, e já está. Um dos mais icônicos vilões da galeria que Van Damme encarou em sua carreira.

VAN DAMME E UM CLIMAX À MODA ANTIGA

Como é habitual nesses filmes de início de carreira, Van Damme é um bocado rígido no seu desempenho. Mas até que tenta, dentro de seus limites, explorar seu “talento” dramático. Ele consegue convencer, por exemplo, na situação de desespero quando seu irmão se machuca. Ou passa tristeza no momento em que recebe a notícia de que Eric nunca voltaria a andar. Claro, o sujeito nunca foi um Orson Welles, não dá pra exigir uma atuação shakespereana do belga. Ademais, Van Damme preenche os requisitos que o tornaram num dos grandes astros do cinema de ação do período. É hábil lutador, tem presença em cena e, principalmente, muito carisma.

É evidente que vamos perceber melhor a arte de Van Damme nas sequências de pancadaria. É quando o sujeito fica mais à vontade. Em KICKBOXER essa lógica chega ao seu limite no combate final entre Kurt e Tong Po. Por mais que eu tenha ressalvas quanto a luta em si, é impossível não encher os olhos ou estampar um sorriso na cara se você for um autêntico fã desse tipo de material. Temos Van Damme e Qissi explorando ao máximo do que chamamos de “cinema físico”, há uma excelente ambientação – a luta foi planejada nos “moldes antigos”, nos subterrâneos, iluminado por tochas – e há ainda o memorável detalhe das mãos enfaixadas, mergulhadas em resina e, em seguida, coberta de cacos de vidro. Mas que de certa forma não parece causar tanto dano quanto parece.

As ressalvas vão para a própria construção e encenação da luta. Pelo menos enquanto Eric se encontra refém dos capangas de Freddy Li e Van Damme é obrigado a perder a luta, a coisa toda ainda funciona e prende a atenção. Tong po é brutal e não dá moleza, mesmo fazendo diversos joguinhos para agradar o público presente na arena. Obviamente ele sabe que vai ganhar de qualquer jeito. O problema é a partir do momento que Kurt nota que seu irmão está a salvo e percebe que pode atacar de verdade. Tong Po, de repente, se torna mais fácil de bater que bêbado em fim de festa. O tailandês não demonstra a mínima resistência e todo golpe de Kurt entra fácil. A partir daí é só pose. É só Van Damme enrijecendo os músculos pra ficar bem nos enquadramentos. E em termos de qualidade de luta, coreografia, até mesmo edição, a coisa desanda…

kickboxer

Se na execução do confronto entre Kurt e Po, deixaram a desejar, ao menos os diretores foram inteligentes o suficiente para incluir no meio da sequência de luta uma outra cena mais agitada na qual alguns coadjuvantes têm a oportunidade de botar para quebrar. Xian e Taylor aproveitam o evento e resgatam Eric dos seus sequestradores, com direito a tiros e explosões ao melhor estilo anos 80. E Eric até ajuda da maneira que pode, desferindo alguns golpes mesmo preso em uma cadeira de rodas. Portanto, no fim das contas, o resultado final do climax é positivo. Tem seus problemas, mas é divertido de se ver.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Tirando pequenos detalhes, KICKBOXER é um grande filme, feito na medida certa para quem curte o gênero. É honesto, não tem receio de parecer ridículo e tem Van Damme esbanjando carisma. Se você gosta de uma história inspiradora, montagens de treinamento e cenas de luta legais, tá na hora de (re)ver KICKBOXER. Vale lembrar ainda que o filme teve quatro continuações nos anos 90. Nenhuma delas com Van Damme. Mas duas dirigidas por Albert Pyun, que é o responsável por CYBORG, um dos meus trabalhos favoritos de JCVD. Recentemente tivemos uma espécie de refilmagem, KICKBOXER: VENGEANCE. Van Damme reaparece como coadjuvante de luxo, interpretando o mestre que treina um jovem lutador. E os caras parecem incansáveis. Já preparam mais duas continuações deste último. KICKBOXER RETALIATION sai ainda este ano, e KICKBOXER: ARMAGEDDON tem previsão para 2018. Haja chute na cara!

28/09/2018 por Ronald Perrone - 4 Comentários

CYBORG – O DRAGÃO DO FUTURO (1989) & SLINGER (2011)

CYBORG vs SLINGER – Dois filmes em um

CYBORG – O DRAGÃO DO FUTURO foi um dos principais filmes de ação que me fez apaixonar incondicionalmente pelo gênero. Trata-se de mais uma variação do subgênero “pós-apocalíptico”, tão comuns nos anos 80 e 90, filmes em que vislumbramos o futuro da pior maneira possível, com suas grandes cidades destruídas por alguma catástrofe natural ou não, geralmente com um punhado de pessoas que já perderam a noção de humanidade tentando sobreviver ao caos, enfrentando as piores desgraças, agindo com violência, imoralidade e sem esperanças de uma vida melhor. No futuro de CYBORG, a “peste” devastou com a população mundial e a esperança do que resta da humanidade é a segurança de uma cyborg detentora da cura. Na trama, esta cyborg precisa chegar a Atlanta, único local com estrutura para trabalhar com o material que provavelmente vai restaurar a ordem no mundo.

Mas existem grupos anarquistas que preferem deixar tudo como está. É o caso da gangue do maquiavélico Fender, que faz de tudo para impedir que a moça de lata chegue ao seu destino. Aí é que entra o nosso herói, Gibson (sim, os nomes dos personagens são marcas de guitarras), na pele do belga Jean Claude Van Damme, um mercenário que se propõe a ajudar a indefesa cyborg, embora seja motivado por um instinto vingativo, rixa do passado entre ele e Fender, o qual é muito bem explorado nos flashbacks do protagonista.

Dirigido por um dos grandes mestres dos B movies, Albert Pyun nunca escondeu sua predileção pelo universo pós apocalíptico e cyber punk. No seu currículo podemos conferir umas maravilhas como NEMESIS, RADIOACTIVE DREAMS, KNIGHTS, VICIOUS LIPS e muitos outros… Portanto, deve ter adorado trabalhar com todos esses elementos neste que é considerado por muitos admiradores o seu melhor filme. Ou não… As histórias dos bastidores de CYBORG é tão insana quanto o próprio filme visto na tela. Pyun fora contradado pela Cannon Films em meados dos anos 80 para dirigir uma continuação de MESTRES DO UNIVERSO e um live-action do HOMEM ARANHA, que seriam filmados simultaneamente. Mas a produtora estava passando por problemas financeiros e cancelou seus acordos com a Mattel e Marvel, proprietárias dos direitos de He-Man e Homem-Aranha respectivamente, apesar de já terem gasto cerca de dois milhões de dólares com sets e figurinos.

Pyun teve a ideia de partir para algo novo, um filme totalmente diferente, se virando com o que tinham disponível, além de um orçamento de menos de quinhentos mil dólares, contando com o salário do astro Van Damme. O realizador escreveu o roteiro em uma semana e logo em seguida partiria para uma das filmagens mais caóticas de sua carreira. Em mais três semanas, o filme estava na lata, filmado, prontinho. A pós-produção também não se mostrou uma experiência confortável. Pyun se mostrava disposto a realizar um filme de gênero mais experimental, sombrio, violento e operático, homenageando aos filmes de samurai e faroestes que ele cresceu assistindo. Essa proposta não era vista com bons olhos pela Cannon e Van Damme, claro. Apesar dos pesares, o resultado é uma obra singular e visionária dentro do possível, limitada pelo baixo orçamento da produção. CYBORG, a versão de cinema, é um dos melhores filmes do diretor e um atestado do quanto pode ser prazeroso assistir a uma fita de orçamento restrito feito com paixão e criatividade. Uma curiosidade é que o filme chegou a ser promovido na TV americana carregando o nome MASTERS OF UNIVERSE 2: CYBORG!

CYBORG é bem curto, não chega a uma hora e meia, mas dispões de ação constante e muita atmosfera, um clima pós-apocaliptico desolador que não fica muito longe dos melhores filmes do subgênero, como MAD MAX 2. Difícil esquecer algumas cenas antológicas – Van Damme nos túneis dos esgotos, em espacate, esperando seu oponente passar debaixo para dar o bote é genial. Aliás, toda a sequência que antecede a crucificação do protagonista e a maneira em que o personagem se livra da cruz com toda a fúria sempre me marcou bastante. Hoje ainda reserva grande força para quem embarca na trama e neste tipo de diversão.

Além de Van Damme (cujo sotaque na época ainda era um problema para Pyun), que se sai muito bem em cena, vale destacar o desempenho do grande Vincent Klyn, o vilão Fender, que possui uma puta presença ameaçadora e poderia muito bem ter sido melhor aproveitado no cinema. A descoberta de Klyn é curiosa. Quando Pyun estava trabalhando no casting para a continuação de MESTRES DO UNIVERSO, o diretor foi ao Havaí procurar um ator que substituísse o Dolph Lundgren no papel de He-Man e acabou encontrando, no meio de vários surfistas, Vincent Klyn. Pyun se impressionou tanto com aquela figura, que quando os projetos se transformaram em CYBORG, Pyun exigiu que Klyn fosse o vilão do filme… Daquelas escolhas simplesmente perfeitas. Pra mim Fender é uma das mais insanas, impiedosas e assustadoras representações do mal no cinema de ação de todos os tempos!

Eu posso estar sendo um nostálgico exagerado, mas CYBORG é um grande filme. Ótimo veículo de ação para o Van Damme, de quem eu nutro uma enorme admiração desde pequeno, muito bem dirigido pelo Pyun, ótimos cenários, atmosfera, efeitos especiais old school que chutam a bunda de qualquer CGI atual, trilha sonora marcante, etc e tal, mesmo sabendo que para a nova geração tudo isso não passa de uma tranqueira sem qualquer interesse… Uma pena.

Passados pouco mais de vinte anos do lançamento de CYBORG, eis que Pyun aparece com SLINGER, a SUA versão de CYBORG! Explico: Apesar de ser um dos títulos mais lembrados de sua filmografia, Pyun sempre fez questão de deixar claro que a versão de CYBORG lançada nos cinemas em 1989 pela Cannon não era o filme que gostaria de ter lançado. O problema é que o grande nome do filme, Van Damme, odiou o corte de Pyun, o que fez o diretor sair do projeto e Sheldon Lettich (roteirista de O GRANDE DRAGÃO BRANCO e diretor de DUPLO IMPACTO) entrar para trabalhar numa nova edição do filme, que se tornaria a versão de cinema. Mas e SLINGER? Bom, num belo dia qualquer lá por volta de 2010, o compositor e parceiro de Pyun, Tony Riparetti, estava limpando seu depósito e encontrou duas VHS com o último corte de Pyun antes de Van Damme e Lettich tomarem conta da produção!

Um detalhe importante é que o termo “director’s cut” não possui a mesma definição da qual estamos acostumados. Não é o trabalho de alguém que resolveu remontar o filme, nem pretende o relançamento comercial para substituir o “original”. SLINGER é uma versão de CYBORG praticamente em estado bruto, percebe-se até uma falta de acabamento em algumas cenas, formatos de tela diferentes, além da imagem ruim, de VHS, sendo destinada somente para os verdadeiros fãs do filme e de seu diretor.

SLINGER é a denominação utilizada para os personagens errantes do universo do filme, como é o caso de Gibson Rickenbacker, vivido pelo Van Damme. Nesta versão, não existe praga alguma devastando a população. Gibson persegue o vilão Fender (Vincent Klyn) por vingança, pura e simples, e nem se preocupa tanto com a tal cyborg sequestrada. Quanto a esta, a sua função no filme é carregar dados que vão ajudar a reestabelecer as redes elétricas deste futuro pós apocalíptico. Ao menos é o que ela diz, mas descobrimos no fim que ela e seus responsáveis possuem segundas intenções não muito amigáveis para o que resta da humanidade, dando ao filme um tom mais depressivo que já tinha.

Fender, na brilhante presença de Vincent Klyn, não muda muito. É a personificação do mal em todos os sentidos em ambas as versões, mas ganha um tom meio religioso aqui, como um enviado do diabo para trazer o caos, reforçado por uma narração em off que não havia na outra versão. Aliás, a director’s cut ganha uma narração que permeia quase todo o filme e as palavras de Gibson dão ao personagem um interessante viés de samurai, algo que Pyun sempre declarou ter buscado para o sujeito.

A trilha sonora é um dos elementos que mais se diferencia do original. Eu gosto bastante da trilha de Kevin Bassinson, com destaque para as melodias suaves e melancólicas das cenas de flashback. Mas a que temos aqui, composta por Tony Ripparetti, parceiro de Pyun até hoje, se encaixa perfeitamente à narrativa, não apenas acompanhando as imagens, mas realmente dá ritmo e eleva a obra num patamar mais operístico, que era a ideia inicial de Pyun.

Não há nada em SLINGER que eu não tenha gostado, mas existem alguns detalhes dos quais eu prefiro na versão anterior. As cenas de flashback na director’s cut são objetivas e surgem antes cronologicamente em relação à versão para cinema. Por exemplo, quando chega a grande sequência da crucificação de Gibson em SLINGER, já sabemos de toda a história entre ele e Fender. A própria cena da crucificação ficou mais curta, embora não menos brutal. Em CYBORG, a conclusão dos flashbacks vinha no momento em que Gibson estava pregado na cruz, prolongando ainda mais a cena, deixando-a com uma carga dramática muito maior. Outra grande diferença é na luta final entre Fender e Gibson. Ambas são excelentes, na minha opinião. Mas a desta aqui, apesar de possuir uma idéia mais visceral, sua execução fica um pouco a desejar, poupa o espectador de mostrar a morte horrível de Fender, deixando as coisas na imaginação, provavelmente pelo baixo orçamento, mas o fato é que entre as duas, prefiro a original, que é mais longa e mostra tudo o que tem que mostrar.

De uma forma geral, acho que esta director’s cut se encaixa mais ao estilo de Albert Pyun naquele período. É mais sombrio e dá ênfase às suas peculiaridades estéticas e influências (Sergio Leone e os filmes de samurai). Já a edição dos produtores deu a CYBORG um aspecto de filme de ação de baixo orçamento que tinha tudo pra ser um tradicional exemplar do período, mas acabou com o olhar peculiar e criativo de um realizador cheio de personalidade. Não é a toa que, de alguma forma, foi um dos filmes que mais me encantou durante a infância, justamente pelos vestígios deixados por Albert Pyun na versão para cinema.

E pra ser totalmente franco com vocês, essa director’s cut não possui modificações gritantes em relação ao “original”, está bem longe de ser “outro filme”. E o grande lance é que o material bruto das filmagens de CYBORG, totalmente realizado por Pyun, é muito bom e é o que realmente faz toda a diferença! Todas as grandes cenas antológicas que transformaram esta obra num clássico permanecem aqui. Acho que se eu pegasse esse material e editasse a minha versão, seguindo a mesma trama, não tenho dúvidas de que seria capaz de fazer um bom filme! Mas são as mínimas nuances que diferenciam uma versão da outra que demonstram claramente a idéia mais autoral de Albert Pyun. E olha que CYBORG, do jeitinho que era antes, já era o meu filme preferido do diretor… essa versão chega apenas para definir não apenas essa minha opinião, mas para colocar CYBORG entre os meus favoritos do gênero.

Ao fim do filme, há uma menção sobre um futuro projeto que retornaria ao universo de CYBORG em uma nova produção. Talvez uma sequência ou uma pré-continuação… Pyun chegou a anunciar e até trabalhar nessas ideias nos últimos anos, mas nada de concreto foi lançado. Continuamos aguardando.

OBS: Como disse antes, Pyun nunca lançou SLINGER comercialmente. Tive o privilégio de conferir o filme há alguns anos, quando o próprio diretor me enviou uma cópia assinada, da qual me orgulho muito e guardo com carinho na prateleira.

04/02/2017 por Ronald Perrone - 6 Comentários

O GRANDE DRAGÃO BRANCO (Bloodsport, 1988)

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O que seria dos filmes de luta no ocidente sem O GRANDE DRAGÃO BRANCO? Não sei, mas cada vez que assisto a essa belezinha, mais me convenço do óbvio, de que se trata de um dos clássicos mais influentes do cinema de artes marciais feito nos lados de cá. Já devo ter assistido umas quinhentas vezes e como acho que esse número não é suficiente, esta semana resolvi rever mais uma vez pra não perder o costume. Continua a coisa linda de sempre e um dos melhores veículos de Jean-Claude Van Damme.

Tá certo que nem o acho o filme uma obra-prima, a qualidade de algumas lutas são questionáveis, a maioria das atuações são constrangedoras e impera expressões faciais hilariantes, como a da imagem que abre o post; mas é pelo nível de entretenimento, pela sensação nostálgica, por várias cenas definitivas para o gênero e que marcaram uma geração que O GRANDE DRAGÃO BRANCO permanece com o mesmo frescor, com a mesma grandeza de quando assisti pela primeira vez.

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Se você, sei lá, esteve em Marte nos últimos quarenta anos e nunca ouviu falar de O GRANDE DRAGÃO BRANCO, então presta a atenção. Produzido pela famigerada Cannon Films, e dirigido por Newt Arnold, trata-se do filme que colocou Jean-Claude Van Damme definitivamente no mapa. A sua participação em NO RETREAT NO SURRENDER e BLACK EAGLE são bacanas e os filmes crescem justamente por sua presença, mas foi aqui que o mundo todo conheceu o belga que dava chutes rodados no ar e fazia espacate em todas as oportunidades possíveis.

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A trama é baseada, alegadamente, na história real do verdadeiro Frank Dux, um especialista em artes marciais americano que criou uma técnica de luta própria, chamada Dux FASST (Focus-Action-Skill-Strategy-Tactics) e até trabalhou no cinema como coreógrafo em filmes de porrada. Um dos pontos principais de sua biografia foi participar do lendário e ilegal torneio de artes marciais chamado Kumite, sendo o primeiro americano a vencê-lo. Tudo bem que há pessoas que contestam suas façanhas, dizendo que o troféu que o sujeito afirma ter ganho foi comprado numa loja da sua cidade… Mas quem sou eu pra desmentir?

Enfim, O GRANDE DRAGÃO BRANCO relata justamente o período em que Dux participou do Kumite e Van Damme é quem assume a responsa de encarnar a figura. Na trama, Dux dá uma escapulida das forças armadas americana, visita seu antigo mestre – com direito a um flashback que mostra seu treinamento ainda jovem – e parte até Hong Kong para participar do torneio, no qual diz a lenda que ferimentos graves e até mesmo resultados letais eram permitidos.

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No local, além de encarar seus oponentes no tatame, Dux faz amizade com um lutador americano chamado Ray Jackson (Donald Gibb), come a jornalista gostosa obstinada por fazer uma reportagem sobre o Kumite e ainda tem que fugir de dois agentes americanos (um deles vivido por Forest Whitaker em início de carreira) que têm a missão de impedir que Dux participe da competição, já que o exército não quer que seu valioso material humano se machuque nessa brincadeira.

É evidente que o que desperta a atenção no filme num primeiro momento só poderia ser mesmo o torneio, os confrontos dos mais variados lutadores, a escala de combates que Dux precisa fazer para se tornar campeão. No entanto, confesso que não acho as cenas de luta por aqui aqui tão especiais. Há filmes com pancadaria bem mais elaboradas e brutais e até mesmo o Van Damme já protagonizou cenas de porrada mais espetaculares em outras ocasiões, com outros diretores.

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Na verdade, não é que as lutas sejam ruins e há algumas que realmente merecem estar no panteão de filmes de torneio de artes marciais americanos. Acho sensacional que o próprio Frank Dux da vida real tenha elaborado a coreografia das lutas de O GRANDE DRAGÃO BRANCO e é curioso que o sujeito achou que Van Damme não estava preparado fisicamente para encarar o desafio de vivê-lo no cinema e o colocou num treinamento barra pesada intensivo durante três meses, os quais o próprio JCVD disse ter sido o treinamento mais duro que já fez na vida. Valeu a pena, porque é justamente o belga que protagoniza as melhores cenas de ação.

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Sobre o diretor, antes de dirigir O GRANDE DRAGÃO BRANCO, Newt Arnold havia feito apenas dois obscuros filmes de horror, sendo que o segundo, BLOOD THIRST, é 1971. Ou seja, quase duas décadas separam seu último trabalho como diretor e este aqui. Por outro lado, Arnold foi assistente de uma boa safra de diretores fodões, como Sam Peckinpah, Francis F. Coppola, William Friedkin e John McTiernan, portanto é um cara que sabia o que tava fazendo. E em termos de direção, enquadramentos e ritmo, o sujeito manda bem, as lutas tem boa energia. Se não chegam num nivel espetacular, ao menos são diretas, cruas e encenadas com competencia.

Ajuda muito a excentricidade de reunir os mais variados estilos de artes marciais e os mais bizarros representantes de cada modalidade para trocarem chutes e socos num torneio. Basta a montagem de treinamentos na abertura para garantir ao espectador que o dinheiro do ingresso foi bem gasto e ele vai ser recompensado com a exibição de uma vasta gama de estilos e métodos de treinamento, de um lutador de Sumo para um sujeito que luta Capoeira passando por mestres Kung Fu e até um cara que treina quebrando côcos em cima de uma árvore. É o estereótipo do estereótipo, mas que nuca perde sua graça até pelo pioneirismo da coisa. Michel Qissi marca presença, alguns anos mais tarde faria um desafeto de JCVD, Tong Po, no ótimo KICKBOXER. E temos o cruel Chong Li (Bolo Yeung), que surge quebrando blocos de gelo com pontapés.

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No elenco, Van Damme aproveita como pode a oportunidade neste seu primeiro filme como protagonista. O sujeito esbanja carisma, demonstra boa presença nas sequências de luta, e, claro, não dá pra exigir dele uma interpretação de Hamlet, mas ensaia algumas situações dramáticas, como quando seu amigo Ray Jackson é destroçado por Chong Li e Van Damme vaga de metrô, fazendo expressões faciais preocupadas. Ou fazendo espacate numa varanda com vista para a cidade. Aliás, o espacate é uma das marcas registradas de JCVD em quase todos os seus filmes. Mas aqui o sujeito exagera da posição de 180º das pernas… O cara tem as pernas esticadas pelo seu mestre, depois faz espacate pra se preparar antes do torneio começar no quarto de hotel, espacate para acertar um murro nas partes baixas do lutador de sumô, espacate quando seu amigo vai parar no hospital… Haja tendões…

“Você deveria parar de fazer isso se um dia quiser ser pai…“

Uma das coisas que mais curto em O GRANDE DRAGÃO BRANCO é a relação de Dux com Ray Jackson. A introdução do grandalhão americano é engraçada, com o sujeito entrando no mesmo ônibus de Dux em Hong Kong, flertando meio abusivamente com uma mocinha. A gente logo pensa que ele vai ser um desses bullies que Van Damme precisará dar uma surra, mas acaba se revelando o cara mais gente boa do mundo e o melhor amigo do protagonista.

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E Bolo Young é desses caras que convence ser imbatível e que realmente poderia matar um sujeito com as próprias mãos num torneio desses. Tirando o fato que não há qualquer profundidade no persoangem, só está lá pra servir de lutador desumano e impiedoso, ele o faz com a máxima perfeição. Chong Li é simplesmente um dos maiores ícones do cinema de luta americano. Young voltaria a encarar JCVD no fenomenal DUPLO IMPACTO!

Alguns momentos de O GRANDE DRAGÃO BRANCO merecem o devido destaque. Quem assiste ao filme nunca esquece da cena em que Dux demonstra o “toque da morte” quebrando o último tijolo de uma pilha.

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E o melhor vem logo depois, com a notória reação de Chong Li: “Muito bom, mas tijolo não revida!“. Porra, são momentos assim que transformam um filme desses num clássico!

Temos também a divertida sequência musical na qual Dux corre pelas ruas de Hong Kong fugindo da dupla de agentes. Por falar em música, tudo é muito datado para os padrões atuais, mas para um 80’s music lover como eu é sempre um charme a mais. Toda a sequência do treinamento do jovem Frank Dux com seu Shidoshi, vivido por Roy Chiao, também merece atenção, além do grande confronto final entre Dux e Chong Li, que se não é um primor em termos de ação, ao menos tem boas sacadas e Van Damme consegue dar o seu show de exibicionismo composto de socos, pontapés, voadoras e chutes rodados… Não é a toa que foi instantaneamente alçado ao status de astro.

O GRANDE DRAGÃO BRANCO até pode ter seus problemas, nem acho que seja o melhor veículo de JCVD, mas é uma obra de extrema importância para os amantes de filmes de luta e que possui todos os elementos que tornam um filme num clássico atemporal. O roteiro de Sheldon Lettich (que depois viria a dirigir JCVD em LEÃO BRANCO, DUPLO IMPACTO, THE ORDER e THE HARD CORPS) trouxe à tona toda a estrutura para o estilo de filmes de torneio e praticamente inaugurou o subgênero Kickboxing no Ocidente, que fez a alegria da moçada nos anos noventa, gerando um milhão de copiadores incluindo três sequências estrelando Daniel Bernhardt, dos quais nunca assisti. Mas acima de tudo, O GRANDE DRAGÃO BRANCO é um filme que diverte em todos os sentidos possíveis. e diverte pra CARALHO! Ainda vou rever muitas vezes durante a vida e tenho a total certeza de que a cada revisão vou estampar um grande sorriso do início ao fim.

14/01/2017 por Ronald Perrone - 4 Comentários

BLACK EAGLE (1988)

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Um avião que transporta um sistema de orientação de mísseis a laser de última geração cai em Malta. O governo americano age rápido e envia seu melhor agente, Sho Kosugi, até lá para recuperá-lo. Só que o sujeito tem trabalhado demais e quase não tem tempo pra família e isso tem o deixado chateado… Qual é a solução? Leve as crianças junto pra Malta e coloque-as num hotel cinco estrelas até que Kosugi termine o trabalho. Só que os russos também estão atrás do sistema e, obviamente, vão fazer de tudo para atrapalhar a vida do nosso herói, até mesmo sequestrar seus filhos e tentar tornar a trama de BLACK EAGLE mais agitada…

Um dos vilões russos é um tal de Jean-Claude Van Damme. É divertido vê-lo ainda em início de carreira tentando ganhar seu espaço. O sujeito basicamente desempenha o mesmo personagem que fez em NO RETREAT NO SURRENDER, um meliante, guarda-costa e braço direito de um facínora russo. Embora este seja um papel precoce e minúsculo, Van Damme já demonstra suas qualidades que ajudariam a torná-lo um astro do cinema de ação dos anos 90, como por exemplo sua arte que justifica o cinema feito em 16:9: o espacate.

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Mas tirando a presença de Van Damme, BLACK EAGLE é bem problemático em vários sentidos. sei lá, os produtores não estavam pagando o cara? E como é o protagonista, que carrega grande parte do filme, o resultado é insoso, sem muita energia. Mas o pior de tudo são as cenas de Kosugi com os filhos. Quero dizer, precisamos mesmo de um herói que leva seus filhos para a praia e museus durante a METADE de um filme de ação? Tenho certeza de que enquanto mata russos e tenta cumprir a misão ele gostaria de sair com os filhos e tal, mas isso só retardam um filme que já é lento até para os padrões do cinema de ação do período. Enfim, se Van Damme aproveita cada minuto por aqui, como veículo para Kosugi BLACK EAGLE é puro lixo.

Vale mais a pena concentrar a atenção em Van Damme, cujo personagem é bem mais interessante e expressivo. De resto, BLACK EAGLE é maçante e previsível. O pior é que Van Damme e Kosugi ficam muito pouco tempo juntos na tela e têm apenas duas lutas, nenhuma das quais são exatamente muito boas. A primeira termina abruptamente a segunda é muito mal ilumiada, numa escuridão desnecessária. Claro, ambos demosntram suas habilidades e alguns momentos de luta são bons, mas levando em conta o material humano que temos aqui, era para ter coisa melhor.

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Em suma, os fãs de Sho Kosugi vão sair frustrado de BLACK EAGLE, já os admiradores do belga tem aqui um lado curioso de vê-lo aprontando as suas em início de carreira. De qualquer forma, os apreciadores de filmes de ação não vão sair muito satisfeitos, exceto por um ou outro momento. Faça um favor a si mesmo e ao invés de assistir a este aqui priorize um PRAY FOR DEATH ou REVENGE OF NINJA se querem ver o Kosugi na sua melhor forma, e reveja KICKBOXER, O GRANDE DRAGÃO BRANCO, DUPLO IMPACTO e etc… Este aqui pode esperar.

20/10/2016 por Ronald Perrone - 10 Comentários

RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS (No Retreat, No Surrender, 1986)

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O fato de Jean-Claude Van Damme estampar as artes de capas de DVDs lançados no mundo afora do filme RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS não passa da mais pura e simples picaretagem. Afinal, o único rosto conhecido atualmente na produção é o dele. Mas Van Damme só aparece mesmo no início e no final do filme, interpretando o russo Ivan Kraschinsky. E é também o vilão da bagaça, com quem o protagonista terá de medir forças à base do chute na cara pra saber quem é o melhor.

O herói é um tal de Kurt McKinney, do qual eu nunca tinha ouvido falar. No filme ele é Jason Stillwell, um rapazinho cujo pai, Tom, possui uma academia em L.A. onde ensina karatê, inclusive a Jason. Os problemas aparecem quando o crime organizado russo decide fazer uma “oferta irrecusável” para comprar a academia, dessas que alguém pode sair muito machucado caso um dos lados não goste da palavra final. E é o que acontece. Um gangster, acompanhado de seus guarda-costas, incluindo o tal Kraschinsky, expulsa o sujeito de sua própria academia, com Van Damme já demonstrando golpes ultra rápidos e aqueles chutes incríveis que fizeram sua carreira.

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Estou querendo reavaliar a obra de JCVD, mas meus favoritos dele, por enquanto, são CYBORG e SOLDADO UNIVERSAL, que no campo da “pancadaria” perdem para, por exemplo, GOLPE FULMINANTE, que é dirigido pelo Tsui Hark, um monstro do cinema de ação oriental. O negócio é que quando se mete com diretores orientais Van Damme obtém alguns resultados bem mais interessantes. Temos aqui nessa cena inicial de RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS, que não dura nem um minuto, uma pequena demonstração que comprova que o sujeito não é só pose. Ele se tornou “posudo” porque decidiu firmar carreira em Hollywood trabalhando com diretores e equipe que não dominam cenas de porrada como os orientais, por mais divertido que sejam os seus filmes. Aqui temos o grande Corey Yuen no comando, por isso não me surpreende o resultado na tela.

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Enfim, voltando a RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS, Tom (o pai, pra quem já se esqueceu) decide respirar novos ares e se muda para Seattle depois de levar a surra e perder a academia. Muda também sua mentalidade sobre o karatê e a finalidade de se usar violência, ou seja, o cara virou um bundão. E até que ele luta bem, embora seja de longe o pior ator do filme! Já Jason, a primeira coisa que faz quando chega em sua nova casa é transformar a garagem num centro de treinamento, com cartazes de Bruce Lee e toda a parafernália. Fã do grande astro de OPERAÇÃO DRAGÃO, o rapaz vai visitar o túmulo de Lee, que se encontra na cidade, além de procurar uma outra escola de karatê para continuar seus ensinamentos.

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A trama é totalmente voltada à Jason, que transforma o filme numa espécie de rip-off de KARATE KID. A estrutura intercala momentos de treinamento, de flerte com a garota bonitinha, com confrontos contra bullies, que sempre lhe dão porrada, além de problemas com o pai, que a cada briga na rua precisa levar um sermão danado, até que Tom rasga o poster do Bruce Lee servindo de estopim para um “NÃÃÃÃÃÃOOO!!!” daqueles! Em outra cena, Jason ajoelha no túmulo de Bruce Lee e implora por ajuda… Para melhorar ainda mais a história, o espírito de Bruce Lee aparece em sonhos e delírios do personagem para lhe aplicar vários ensinamentos. O problema é que o ator que faz o fantasma não tem nada a ver com o Bruce Lee, mas Jason não cria caso com isso, então ok. Aliás, o ator que dá vida ao falecido é Kim Tai Chung, que era dublê de Bruce Lee.

Como já adiantei que Van Damme aparece novamente no final, presume-se que os gângsters russos também vão à Seattle tentar abocanhar mais academias e escolas de artes marciais. E é numa dessas academias que há um campeão de artes marciais que decide resolver tudo da forma mais besta possível: realizando um torneio de luta. O vencedor ficaria com o estabelecimento. E assim rola a pancadaria final, o que inclui um confronto entre McKinney e Van Damme.

Kurt McKinney é muito carismático. E não é tão mirrado como Ralph Macchio, o Daniel San de KARATE KID. É claro que na vida real, McKinney não teria chance com Van Damme, que era um monstro cheio de músculo, mas nada tão impossível também. O rapaz tem bom físico. Possui também um relacionamento meio estranho com RJ, um vizinho que se torna seu melhor amigo. RJ não luta, mas é um excelente dançarino, mais um motivo pra achar esquisito… ainda mais depois da cena em que R.J toma sorvete sentado… digamos, na região do quadril de Jason, enquanto este faz um exercício. Bom, não estou chamando-os de viadinhos, nem tenho nada contra, mas acho que eles já passaram da idade da inocência pra um enquadramento como este abaixo não soar extremamente homoerótico.

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Sei que KARATE KID deixou uma irrecuperável boa impressão na infância de muitos de nós, mas vocês vão me desculpar, RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS é muito mais divertido, tem aquele climão de Guerra Fria, EUA x URSS, estilo ROCKY IV, tão típico do cinema oitentista, além de ser dirigido por um cara que realmente entende de artes marciais, coreografou uma penca de filmes e dirigiu meu ninja movie favorito, NINJA IN THE DRAGON’S DEN! As lutas aqui não chegam ao mesmo patamar de outros trabalhos do Corey Yuen, mas é muito acima da média, especialmente aquelas com Van Damme (não foi a toa que seu sucesso dentro do gênero começou aqui).

O filme tem algumas atuações das mais vergonhosas que eu me lembro de ter visto na vida… Fora alguns furos evidentes de roteiro, os clichês de sempre, até microfones aparecendo no canto da tela, mas tudo isso serve de bônus para quem entrar na onda do filme, uma diversão escapista, que passa rápido, tem um bom ritmo e as cenas de luta fazem valer o programa. Pra mim, já virou clássico do cinema de artes marciais dos anos 80.

RETROCEDER NUNCA, RENDER-SE JAMAIS teve duas continuações que não possuem muita ligação com este aqui. O segundo apenas acrescenta o número “2” na frente. Também é dirigido pelo Yuen e tem no elenco Cynthia Rothrock, Loren Avedon e o brutamontes Matthias Hues! Já o terceiro filme recebeu o título aqui no Brasil de OS IRMÃOS KICKBOXERS, que assisti quando era pequeno, numa VHS da saudosa TOP TAPE, e tem umas lutas alucinantes de outro mundo!!! Recomendo tudo, assistam a essa merda toda.

02/12/2014 por Ronald Perrone - 4 Comentários

SOLDADO UNIVERSAL (Universal Soldier, 1992)

É curioso voltar a SOLDADO UNIVERSAL, de Roland Emmerich, tendo em mente o que a série se tornou. Claro, eu adoro o dois últimos, especialmente o DAY OF RECKONING (2012), mas não deixa de ser estranho. Lembro-me de assistir a este aqui logo que saiu nas locadoras da pequena cidade onde morava, um evento de proporções épicas pra um moleque como eu, viciado em filmes de ação e que já acompanhava os dois astros, Jean-Claude Van Damme e Dolph Lundgren. Revendo agora, depois de tanto tempo, percebe-se lá suas fragilidades, mas ainda é um filmaço eletrizante, com toques sci-fi, que não tem como dar errado.

Vamos fingir que ninguém viu ou esqueceu da história de SOLDADO UNIVERSAL e mandar uma sinopse, até porque o conceito do filme é legal: soldados americanos mortos no Vietnã são, de alguma maneira, reanimados nos dias de hoje, passam por uma lavagem cerebral e formam um esquadrão de elite do governo americano, num programa militar secreto chamado Unisol.

Gosto da ideia do filme nunca explicar direito os detalhes por trás da experiência de reviver os corpos dos soldados. Como a coisa funciona? Acho que nem os roteiristas sabem explicar. Mas em tempos de INTERSTELLAR, onde tudo é explanado nos mínimos detalhes, tendo como base teorias da física, algo direto e objetivo como SOLDADO UNIVERSAL chega a ser um frescor.

Entre essas unidades “zumbis” está um caso especial: um soldado, Van Damme, e seu sargento, Dolph, antes de baterem as botas tiveram um pequeno desentendimento… No calor da guerra, o tal sargento surta, mata seus próprios subordinados e coloca em prática seus talentos artesanais fazendo um colar de orelhas decepadas. Van Damme e Dolph podiam ter resolvido esse problema no diálogo, mas parece que não deu… Já no programa militar, os dois começam a recordar as diferenças passadas e, como não vão muito com a cara do outro, retomam a briga de décadas atrás. SOLDADO UNIVERSAL é basicamente isso.

Na sua essência, o filme é uma grande sequência de perseguição, ou como uma montanha russa, com seus altos e baixos, mas sempre com a adrenalina injetada na veia do espectador, nos bombardeando com tiroteios alucinantes, pancadarias grosseiras, explosões, uma dose de violência que não existe mais no cinema comercial americano, perseguições de carro, caminhão, ônibus, à pé, nos mais diversos cenários… Sobra tempo até para uns toques de humor.

Em cima de tudo isso, SOLDADO UNIVERSAL consegue desenvolver um lado emocional interessante com Luc Deveraux, personagem do Van Damme, que “acorda” nessa nova época e de alguma maneira quer reconstruir seu passado, tentando retornar a casa dos pais, diferente de Andrew Scott (Lundgren), que “desperta” tão insano e com sede de sangue quanto no período da guerra. É uma situação que me toca um bocado, em meio a tantas cenas explosivas de ação gratuita.

É evidente que é preciso ignorar os sotaques, algo que nunca me incomodou, na verdade, mas ambos, Van Damme e Dolph, estão extremamente à vontade em seus personagens. O primeiro com sua simpatia característica, um lado cômico, mostrando a bunda em plano detalhe para fazer uma graça com a mulherada e outros públicos, mas carrega também uma certa vulnerabilidade que dá a impressão de que nunca vai conseguir derrotar seu oponente.

Já o Dolph está insano como o sargento psicopata artesão-de-colar-de-orelhas! O sueco encaixa muito bem no papel de vilão, já havia feito isso antes, como em ROCKY 4, mas em SOLDADO UNIVERSAL tem um dos melhores desempenhos de sua carreira. Outros brutamontes aparecem como unisoldiers, como Ralf Moeller e Tommy ‘Tiny’ Lister. Ed O’Ross e Ally Walker, que faz o par quase romântico com Van Damme na aventura, completam o elenco.

Roland Emmerich, que é um diretor com mais erros do que acertos em sua carreira, pode se orgulhar de ter criado alguns momentos que se tornaram clássicos do cinema de ação dos anos 90. A já citada cena com o Dolph e o colar de orelhas, gritando “can you hear me?“, ou Van Damme atravessando as paredes de um motel de beira de estrada sob uma saraivada de balas atiradas pelos unisoldiers. A sequência de luta no restaurante também é muito boa e há a perseguição onde o Dolph arremessa granadas no veículo ocupado pelo herói. Enfim, o que não falta é ação da boa para alegrar o dia! E nem mencionei o confronto final entre Dolph e Van Damme, que é épico, brutal e fecha a bagaça com chave de ouro.

Apesar de ser um filme que tem um lado reflexivo, com questões éticas sobre a utilização de corpos humanos para experiências governamentais e a busca de humanidade num personagem à deriva no tempo, SOLDADO UNIVERSAL não tenta fingir ser aquilo que não é. Ou seja, é honesto em tratar-se de reconhecer que é um produto de entretenimento, por vezes estúpido e inverossímil, mas que consegue divertir com todos os elementos que os admiradores de cinema de ação esperam ver num filme como esse. Menos a bunda do Van Damme… Isso eu dispenso.