13/10/2022 por Ronald Perrone - 1 comentário

2020 – TEXAS GLADIATORS (1982)

Revi esse belo exemplar de cinema pós-apocalíptico italiano dirigido pelo Joe D’Amato. Faz tempo que não posto nada do homem por aqui… Lá por volta de 2008, 2009, eu tava devorando os filmes dele, depois segui em frente e agora me bateu vontade de rever umas coisas. Sobretudo este 2020 – TEXAS GLADIATORS (Anno 2020 – I gladiatori del futuro), porque eu não tinha achado grandes coisas na época e acabou eclipsado pelo ENDGAME, outro filme do gênero que o D’Amato dirigiu na mesma época e que achei bem melhor. Agora já não sei. Este aqui é realmente divertido.

Um detalhe que só fui descobrir por agora é que 2020 – TEXAS GLADIATORS tem um co-diretor. Aparentemente, D’Amato convidou o ator e roteirista George Eastman (Luigi Montefiori) para dirigir junto com ele e o sujeito aceitou… Bem, mais ou menos.

De acordo com Eastman: “Eu dirigi esse filme a pedido de Massaccesi“. Aristides Massaccesi, para quem não sabe, é o nome verdadeiro de Joe D’Amato. “Sua produtora havia comprado o ‘pacote’ pronto (atores com contratos, datas fixas para as filmagens, roteiro já escrito, orçamento) de outra produtora, que desistiu de produzir por considerar impossível fazer um filme desse tipo com financiamento tão baixo. Massaccesi achou que conseguiria (…). O cronograma de filmagem já havia sido definido (vinte dias) e não poderia ser estendido um único dia a menos que alguém estivesse disposto a colocar dinheiro a mais. Ele me ligou e me perguntou se eu estaria disposto a ajudá-lo a dirigir o filme: recusei a oferta dizendo que só faria se fosse sozinho, sem ele.” (do livro Spaghetti Nightmares)

Para resumir, depois de alguma negociação, ficou meio definido que Eastman iria se preocupar com a parte dramática da trama (e também meteria o dedo no roteiro) enquanto D’Amato filmaria a ação. Os créditos de direção ficaram sob o pseudônimo de Kevin Mancuso e o fato de 2020 – TEXAS GLADIATORS ser 80% só sequências de ação deve ter feito muita gente pensar que se tratava de um filme do D’Amato. Mas, pronto, Eastman já está devidamente considerado como diretor do filme. Até o IMDb já atualizou a informação.

2020 – TEXAS GLADIATORS começa apresentando uma espécie de vigilantes futuristas, acho que são chamados de Rangers em algum momento. Esse grupo de bravos homens majoritariamente barbudos, suados e sem camisa patrulham o deserto pós-apocalíptico do Texas é composto por sujeitos de nomes como Nisus, Jab, Catch Dog, Halakron e Red Wolfe.

Logo no início eles interrompem um bando de maníacos que atacam um grupo pacífico de colonos religiosos. Todos os maníacos são mortos sem piedade e os colonos restantes são resgatados. Esses vigilantes possuem um código de honra muito bem definido, e o objetivo fica claro: restaurar a justiça nesse futuro desolador por qualquer meio necessário.

No entanto, Catch Dog (Daniel Stephen) vê uma das vítimas escondida, chamado Maida (Sabrina Siani, de CONQUEST, do Lucio Fulci), e decide estuprá-la enquanto os outros estão ocupados. Mas acaba interrompido por Nisus (o grande Al Cliver, de ZOMBIE 2, também do Fulci) e recebe uma surra. Catch Dog é expulso dos Rangers e forçado ao exílio.

Maida, embora grata pela ajuda de Nisus, questiona seus métodos violentos: se a ação deles consiste em apenas matar bandidos e assassinos, isso não os torna assassinos também? Esta observação coloca uma pulga atrás da orelha de Nisus. Ele resolve abandonar o grupo e se estabelece com Maida numa comunidade que vive dentro de uma usina. Os anos se passam, Nisus se torna um pilar e ajuda a comunidade a restaurar a energia do local. Ele e Maida até têm uma filha juntos, formando uma família.

Mas aí entra em cena o vilão do filme, um bastardo fascista chamado Bolson… Ops, quero dizer, Black One (Donald O’Brien), que invade a comunidade com seus guerreiros futuristas de elite. Um bando de motoqueiros punks também está apoiando Black One, liderados pelo ex-colega de Nisus, Catch Dog. Eles subjugam a comunidade após uma batalha épica e violenta e Black One assume o poder.

O destino é cruel com Nisus e agora cabe a Maida reunir o velho grupo de Rangers pelas terras devastadas para contra atacar Black One, salvar a comunidade e ter paz de volta.

É legal perceber que 2020 – TEXAS GLADIATORS não só um clone genérico de MAD MAX 2 e FUGA DE NOVA YORK como muitos dos filmes italianos pós-apocalípticos tendem a ser. Na real, de certa forma é um filme mais conceitual, pode acreditar. E que tem o western em seu design estrutural, com todos os seus arquétipos e sua mitologia. Se tivessem pegado esse mesmo roteiro e filmado nos anos 60, com cowboys e cavalos no lugar de motoqueiros punks com roupa de couro renderia um belo Spaghetti Western. Não é a toa o “Texas” no título internacional do filme…

Há uma sequência num saloon que parece tirada de algum filme do Demofilo Fidani ou Sergio Garrone, envolvendo um jogo de roleta russa inspirada em O FRANCO ATIRADOR e que termina numa briga generalizada, com vidros e cadeiras quebradas. Uma maravilha. Mais tarde, o grupo remanescente dos Rangers encontrar um grupo de nativos americanos que são representados visualmente da forma mais estereotipada possível, também descrito como italianos fantasiados de índios. Há uma sequência de cerco num desfiladeiro, e até uma ceninha de trabalho escravo em uma mina onde Black One coloca os prisioneiros bem típico de prisão de faroeste…

Visualmente, o 2020 – TEXAS GLADIATORS é competente, não muito chamativo. Mas consegue camuflar o seu baixo orçamento, reaproveitando mesmo cenário (não duvido que 80% do filme seja filmado na mesma usina), figurinos bacanas (sobretudo a de uma mulher guerreira que usa um traje altamente impraticável que deixa seus seios expostos), uma boa quantidade de extras e dublês, além de ter uma dose enorme de ação.

Nenhuma delas realmente especial, mas destacaria toda a sequência do primeiro ataque do exército de Black One à comunidade, defendida com unhas e dentes pelos ocupantes ao estilo Forte Apache, mais um elemento de western. Num geral, D’Amato sabe criar um espetáculo de ação com pouco recurso. Tudo é genérico, mas ao mesmo tempo eficaz e preenche bem o tempo quando o expectador só quer um bocado de diversão.

Quem já assistiu a mais de dez filmes de baixo orçamento italiano dos anos 80, com certeza já se deparou com quase todo mundo que importa no elenco de 2020 – TEXAS GLADIATORS. Com destaque para o grande Donald O’Brien, figurinha típica do cinema popular italiano e que já tinha feito outros trabalhos com D’Amato. Seus papéis de vilão sempre são memoráveis, até mesmo quando aparece pouco como é o caso deste aqui. Mas seu Black One é um bom registro. Al Cliver sempre competente, assim como todos do grupo de Rangers. Só gente boa: Harrison Muller, o grande Peter Hooten, e Hal Yamanouchi. Mas a alma do filme é a bela Sabrina Siani, com uma caracterização bem interessante.

2020 – TEXAS GLADIATORS é, em última análise, realmente representativo de quão criativo era o cinema italiano… Bem, nem sempre. Mas existem vários exemplos de produções de orçamento risível que conseguem de alguma forma resultar em filmes fascinantes. Especialmente quando se trata de Joe D’Amato, que podia pegar uma “produção inteira” num pacote fechado e na hora de mostrar serviço eram profissionais, astutos e criativos o suficiente para criar um filme divertido. Filmes que tinham suas pretensões muito bem definidas, que eram pensados apenas para ganhar um dinheiro rápido e não para ganhar um Oscar. E acho que aqui é um bom caso disso… Muita ação, um belo conceito e cheio de bizarrices. Não tem como errar.

20/09/2020 por Ronald Perrone - 9 Comentários

A BATALHA DO PLANETA DOS MACACOS (1973)

Último filme da franquia clássica. Aqui a coisa dá uma derrapada, meio que despiroca… Num mau sentido.

A BATALHA DO PLANETA DOS MACACOS se passa no máximo poucas décadas depois de A CONQUISTA DO PLANETA DOS MACACOS. Nesse intervalo, a Terra foi dizimada por um holocausto nuclear, mas não vemos isso acontecer. Fuén! Uma decepção para os fãs que sempre quiseram ver como a estátua da liberdade foi parar naquele estado do primeiro filme… Os macacos evoluíram num tempo récorde: já falam e raciocínam normalmente, algo que deveria acontecer em milênios, e temos até uma raça de humanos mutantes pós-nucleares que vivem sob as ruínas de LA.

Mas a falta de lógica temporal é o menor dos problemas de A BATALHA DO PLANETA DOS MACACOS. A história é ruim, os personagens, com exceção de um ou outro, parecem cansados da própria série; tudo parece desenrolar às pressas, com um ritmo desconjuntado, acaba não tendo nada muito marcante… O clímax é o mais sem graça possível (tanto a batalha final entre humanos e macacos quanto o duelo de Caesar contra um desafeto em cima de uma árvore).

Na trama, Caesar (novamente Roddy McDowall) lidera uma pacífica comunidade mista de macacos e humanos, mas seu modo de vida está ameaçado tanto por dentro quanto por fora da comunidade. Não apenas o General Aldo (Claude Akins) e seu exército de gorilas estão conspirando para derrubar Caesar, mas o governador Kolp (Severn Darden), que lidera a tal raça de mutante, decide atacar o acampamento.

Caesar quer conhecer mais sobre seu passado, sobre seus pais, então resolve fazer uma jornada com MacDonald (Austin Stoker) – não o mesmo MacDonald do último filme, mas o irmão do personagem, porque Hari Rhodes não retornou para o seu papel – e um orangotango chamado Virgil (um dos poucos personagens que salva), até as ruínas de Los Angeles onde estão os arquivos gravados dos depoimentos de Cornelius e Zira lá do terceiro filme. O problema é que dão de cara com os mutantes que vivem lá e desencadeia uma guerra.

Isso é basicamente o que temos de interessante no enredo. O resto é pura embromação. A maior parte do filme é bastante pálida. Há uma cena na qual o filho de Caesar é assassinado pelo general Aldo e não senti absolutamente nada pelo moleque… O filme não constrói nada de interessante sobre o personagem. Não constrói nada também sobre as motivações para o conflito entre macacos e o que resta dos humanos.

Fica evidente logo de cara que a Fox já não parecia muito interessada na franquia (apesar de TODOS os filmes da série terem sido sucessos comerciais) e reduziu consideravelmente o orçamento. Os realizadores tiveram que suar para criar algo. A grande batalha do título se resume nuns gatos pinga… Quero dizer, macacos pingados atirando de um lado para outro contra uns humanos que avançam leeeeentamente de carros, motos e um ônibus escolar em direção à comunidade, tudo filmado sem tensão e emoção alguma. E olha que o diretor é o mesmo J. Lee Thompson do filme anterior, cuja batalha final é épica!

Enfim, um balde de água fria depois de revisitar os outros filmes e ser surpreendido positivamente… E o que é aquele final, com a estátua de Caesar escorrendo uma lágrima? Decepcionado com o capítulo final da série, talvez? Até eu quase chorei de tão constrangedor… Nem John Huston fantasiado de macaco salva alguma coisa. Um fim amargo para uma série que ainda me fascina.

15/09/2020 por Ronald Perrone - 1 comentário

DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS (1970)

DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS (Beneath the Planet of the Apes) continua praticamente após a revelação icônica do primeiro filme. Taylor (Charlton Heston) e sua amiguinha, Nova (Linda Harrison), viajam para a Zona Proibida e o sujeito de alguma forma desaparece. Enquanto isso, outro astronauta, Brent (James Franciscus), pousa no planeta para encontrar Taylor. Mais tarde, ele aprenderá sobre a diferença entre os pacíficos chimpanzés – especialmente na figura de Cornelius (Roddy McDowall, no primeiro filme e David Watson neste segundo) e Zira (Kim Hunter) – e os violentos gorilas; encontrará as ruínas subterrâneas da cidade de Nova York (recriadas de forma impressionante); e vai se deparar com um grupo de mutantes que usa seus poderes psíquicos para controlar seus oponentes.

Na trama, acompanhamos essa jornada de Brent. Enquanto os gorilas estão decididos a irem à guerra com quem quer que viva na Zona Proibida. Há uma cena que faz referência à contracultura dos anos 60, com os pacíficos chimpanzés protestando contra os planos dos gorilas.

O filme também faz uma sátira interessante sobre a glorificação da guerra, por conta dos mutantes que adoram, literalmente, uma bomba nuclear chamada Alpha-Omega, com força para destruir o planeta inteiro. A sequência do culto à bomba, com palavras de adoração e cânticos ao artefato é tão ridícula, mas tão ridícula, que fica impossível pra mim não achar divertido.

O clímax de DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS ocorre nas ruínas da Catedral de São Patrício; depois de finalmente conseguirem atravessar as armadilhas ilusórias que sempre os afastaram, os gorilas furiosos simplesmente matam todos os mutantes que encontram pela frente.

Brent consegue encontrar Taylor e ambos acabam envolvidos no fogo cruzado. Nos últimos instantes, Brent leva uma saraivada de balas dos gorilas e Taylor… Bom, Charlton Heston teve uma única exigência quando retornou para esta sequência, a de que este seria o seu último filme na série, não queria saber de voltar para mais filmes de PLANETA DOS MACACOS. E os realizadores atenderam seu desejo da melhor maneira possível: no meio do tiroteio, Taylor pede ao Dr. Zaius (novamente interpretado por Maurice Evans) para que acabe com o derramamento de sangue, mas o orangotango se recusa, dizendo que o homem é responsável pela destruição de si mesmo. Em retaliação, o moribundo Taylor aperta o botão do Juízo Final e pimba, DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS termina com a narração:

Em uma das incontáveis bilhões de galáxias no universo, encontra-se uma estrela de tamanho médio, e um de seus satélites, um planeta verde e insignificante, agora está morto.

Mais uma vez, temos aquele clima de niilismo instaurado. Não há esperança e a destruição é simplesmente inevitável. Vindo em um momento em que o mundo estava em uma situação de crise constante – final dos anos 60, início dos 70 – DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS não oferece nenhum conforto. Também não é papel do cinema oferecer esse tipo de coisa, apesar de Hollywood ser mais inclinada à finais otimistas. O interessante da série de filmes d’O PLANETA DOS MACACOS é que a coisa é exatamente o oposto disso. Pelo menos os dois primeiros…

Desta vez, a direção ficou sob a responsa de Ted Post. Bom artesão, diretor do tipo “pistoleiro de aluguel”: atira bem, mas não deixa nenhum rastro. Mas fez um dos melhores filmes da série Dirty Harry, MAGNUM 44. As cenas de ação se destacam – a fuga de Brent lutando contra um gorila em cima de uma carruagem em movimento; o sangrento confronto de Brent com Taylor numa cela, quando ambos estão sendo controlados mentalmente pelos mutantes; todo o caos final… Pra esse tipo de coisa Post não decepciona.

Mas no fim das contas não é tão bom quanto ao original. Difícil se igualar, especialmente com a boa dose de momentos ridículos envolvendo os mutantes telepatas, mas ainda assim é bem divertido. Vou rever o terceiro filme, FUGA DO PLANETA DOS MACACOS (71), pra ver como se sai hoje em dia…

14/09/2020 por Ronald Perrone - 2 Comentários

O PLANETA DOS MACACOS (1968)

Deve ser a milésima vez que assisto ao clássico O PLANETA DOS MACACOS (Planet of Apes) original, de Franklin J. Schaffner. Tinha gravado da TV num VHS nos anos 90 e quando era adolescente não me cansava de rever este e as continuações… Até hoje, se bobear, este aqui ainda é um dos meus sci-fi de cabeceira. Mas já fazia uns bons quinze anos que não revia… Continua uma belezura. As continuações eu não sei. Precisava rever pra lembrar.

Mas este primeiro foi considerado um dos filmes de ficção científica mais fortes e influentes de seu tempo, um fenômeno que além de desencadear as quatro sequências, gerou também uma série de TV, desenhos animados, toneladas de memorabilia, parodiado até pelos Trapalhões no clássico O TRAPALHÃO NO PLANALTO DOS MACACOS, de 76, dirigido pelo J. B. Tanko.

O filme foi baseado em um romance francês chamado La Planète des Singes, de Pierre Boulle, e produzido como o projeto de estimação Arthur P. Jacobs, que lutou durante anos para que o filme pudesse existir. Acabou produzindo todos os 5 filmes da série original. Para o roteiro, foi contratado o criador de The Twilight Zone, Rod Serling, e, como era seu modo habitual de adaptação, mudou muitos elementos do livro, incluindo a adição do icônico final… E se for parar pra pensar, até que as coisas meio que se desenrolam como um episódio prolongado de The Twilight Zone…

A história começa no ano de 1973. Uma tripulação de astronautas liderada pelo Coronel George Taylor (Charlton Heston) cai em um planeta remoto depois de ficar em hipersono por 2.000 anos em uma expedição espacial. Uma vez fora da nave, os membros restantes da tripulação eventualmente tropeçam em uma sociedade na qual a evolução aparentemente se inverteu: os macacos são altamente inteligentes, pensam, falam, têm até sua própria hierarquia social. Os macacos assumiram o papel da espécie dominante, enquanto os humanos são “animais” irracionais.

Subjugado e temido por seus captores por ser o primeiro humano com o poder da fala, Taylor luta para escapar com a ajuda de dois simpáticos cientistas chimpanzés, Cornelius (Roddy McDowall) e Zira (Kim Hunter). Sua luta leva a um dos finais mais impactantes da história do cinema.

O PLANETA DOS MACACOS acaba sendo uma espécie de reflexo da turbulência que foi os anos 60 em vários sentidos. O filme ataca e satiriza várias questões dominantes na consciência pública – guerra fria, direitos civis, etc. Embora a alegoria pareça simplista hoje, ainda não prejudica o poder do filme.

Grande parte do sucesso de O PLANETA DOS MACACOS pode ser atribuída também ao prazer que traz aos olhos (os primeiros trinta minutos de filme são um espetáculo Fordiano das paisagens do deserto, dignas dos mais belos westerns), os elementos visuais, o surpreendente trabalho de design de produção, os cenários, a maquiagem de John Chambers, que muito mereceu seu prêmio especial da academia. Embora primitiva para os padrões atuais, a maquiagem dos macacos foi uma conquista incrível de sua época. A direção de Schaffner é bem segura e até ousada em alguns momentos, especialmente em sequências de ação, com bons movimentos e trabalho com os ângulos.

Os elogios também podem ir para algumas performances notáveis dos atores-macacos. McDowall e Hunter brilham em seus aparelhos faciais, assim como Maurice Evans como um dos melhores vilões da ficção científica do período, Dr. Zaius. Já Charlton Heston está magistral, engole o cenário com sua presença física, com toda sua desenvoltura, realmente dá tudo de si. É uma dos meus desempenhos favoritos do homem…

Vale destacar também a presença de Bob Gunner (que é quase um sósia do Sean Connery) e Jeff Burton, os astronautas que sobrevivem na expedição, mas que não duram muito tempo no planeta. Dianne Stanley, a astronauta que morre ainda no hipersono só faz praticamente uma ponta… Seria interessante ver como seria se uma mulher tivesse a possibilidade de participar da aventura dos astronautas nos primeiros 30 minutos de filme. Mas acharam mais fácil eliminá-la logo de cara até porque há a cena da cachoeira na qual os atores ficam nus para nadar e acho que em 1967, 68, um filme comercial de ficção científica ainda não estava muito preparado para mostrar uma mulher nadando sem roupa com seus companheiros de trabalho… O que é uma pena. Mas ainda do lado feminino, destacamos a presença da Linda Harrison, como uma das nativas humanas e que voltaria no segundo filme.

Ainda sobre o final, com o personagem de Heston se deparando com a Estátua da Liberdade em uma praia deserta devorada pelo tempo, por mais óbvia a metáfora, acaba sendo dessas imagens marcantes que nunca vai sair do imaginário cinéfilo. Tão copiada e parodiada, até hoje impressiona. Imaginem então o público da época, que ainda vivia com o temor contínuo de uma guerra que envolvessem bombas nucleares. O filme acabou reverenciado e estudado por gerações por sua mensagem atemporal sobre a crueldade e destrutividade que reside na natureza humana. E esse final de O PLANETA DOS MACACOS sintetiza tudo isso.

Vou rever o segundo filme, DE VOLTA AO PLANETA DOS MACACOS (70), pra ver como se sai hoje em dia…

23/07/2020 por Ronald Perrone - 5 Comentários

THE MATRIX REVOLUTIONS (2003)

Minhas impressões da revisão de THE MATRIX REVOLUTIONS são meio malucas. Se por um lado eu consigo identificar tudo que desagradou os fãs na época (eu incluso), por outro já não me importei com nada e simplesmente embarquei nessa tragédia shakespeareana misturada com uma viagem pseudo-cyber-filosófica-espiritual cheia de ação épica… Achei um filme fascinante.

O grande problema pra mim desta vez foi bem diferente do que senti quando vi THE MATRIX REVOLUTIONS no cinema há quase duas décadas. Eu só queria que aquela bobagem toda acabasse o mais rápido possível…

Nesta revisão, não sei explicar porquê, acontece justamente o contrário. Eu queria mais e mais, eu queria uma série pra TV com vinte temporadas explorando a riqueza visual/espiritual/filosófica de THE MATRIX, eu simplesmente fiquei maravilhado e queria mais!

E, bom, as Wachowski se arriscaram pra caramba pra concluir essa bagaça. THE MATRIX tava no coração da moçada, quase todo mundo tinha curtido, tinha sua importância dentro dos blockbusters hollywoodianos, então este terceiro filme era muito aguardado. E elas vão lá e, PIMBA! não entregam nada daquilo que o público queria! Hahaha!

Convenhamos que o encerramento de uma série dessa magnitude nunca vai agradar todo mundo mesmo que tivessem feito “o básico”.

Mas THE MATRIX REVOLUTIONS acabou sendo uma aula de como subverter as expectativas do público e até mesmo de narrativa: por exemplo, colocando a tão aguardada batalha de Zion, dos homens contra as máquinas, no meio do filme, sem sequer contar com a presença do protagonista. Forçando toda a solução das suas questões filosóficas entregues numa única luta de tirar o fôlego entre Neo (Keanu Reeves) e o Agente Smith (Hugo Weaving).

A batalha de Zion é um esplendor que mal tenho palavras para descrever. Não lembro muito o que senti há quase vinte anos quando vi pela primeira vez, na tela grande, mas como não curti na época, é bem capaz de não ter achado grandes coisas.

Hoje foi bem diferente. São praticamente 30 minutos de espetáculo sensorial de ação de tirar o fôlego, que tem um peso poderosíssimo e uma sensação insuportável de ameaça, realmente convence – mesmo que por um momento – de que tudo está realmente fodido e que a humanidade vai ser extinta.

As irmãs Wachowski têm uma excelente percepção de onde colocar a câmera na ação. Os enquadramento nunca são óbvios, as figuras são milimetricamente posicionadas no quadro, um pouco distorcidas para ganhar movimento, apenas o suficiente para proporcionar um prazer visual que não é comum. A edição também é sólida: em nenhum momento a geografia é confusa ou incoerente.

E as cenas de artes marciais são compreensíveis. O que nos leva à luta entre Neo e Smith, toda belíssimamente construída, com quadros que remetem a um duelo de faroeste. Começa com os dois sujeitos em extremos opostos de uma longa rua, enquanto gotas de chuva os encharcam, entre duas filas de cópias do Agente Smith. É sublime.

Neo e Smith trocam algumas palavras antes de dar tudo de si numa briga de proporções épicas que carrega aquele aroma de inevitabilidade, como diria o Agente Smith.

Há uma outra sequência de ação que é menos lembrada do que esses dois mastodontes que citei aí em cima, mas que ainda impressionam: a que Morpheus (Laurence Fishburne), Trinity (Carrie-Ann Moss) e Seraph (Collin Chow) trocam tiros com uns caras que literalmente andam no teto do cenário… É uma dessas pequenas joias dentro do filme que também provam a maestria das Wachowski na condução da ação.

Mas uma das coisas mais importantes pra mim por aqui é como a coisa se resolve dentro de sua própria lógica filosófica de boteco e religiosidade de fundo de quintal (é quase uma versão sci-fi de passagens bíblicas), deixando um monte de ponta solta, um bocado de perguntas sem resposta, tudo tão aberto, pra desespero dos fãs.

Mas que ao mesmo tempo toca no fundamental: o nível de sacrifício exigido de seus personagens em algo reconhecidamente humano, fazendo-nos sentir o custo mortal por trás das figuras e feitos que se tornam lendas. Se THE MATRIX RELOADED rejeita os mitos que alimentamos, THE MATRIX REVOLUTIONS nos mostra como novos mitos são criados.

Enfim, depois dessa revisão, agradeço às Wachowski por não terem realizado algo pra agradar os fãs (não é mesmo, Disney?).

Passei tempo demais sem revisitar esse universo, deveria ter feito antes e mais vezes e redescoberto essa maravilha que é toda a saga THE MATRIX, especialmente se olharmos agora e percebermos que não tivemos nada remotamente parecido no gênero como essa trilogia desde então em Hollywood.

Que me perdoem os fãs da Marvel Cinematic Universe, mas todos os seus trocentos filmes juntos não dão nem pro cheiro que é a trilogia THE MATRIX.

★ ★ ★ ★

Quero saber as impressões de vocês. O que meus cinco leitores acham da trilogia THE MATRIX? Não deixem de comentar na caixa de comentários aqui do blog, ou no facebook, Twitter, Instagram… Bora papear.

21/07/2020 por Ronald Perrone - 5 Comentários

THE MATRIX RELOADED (2003)

Pois, inspirado pelo último post, resolvi rever os outros dois exemplares da trilogia THE MATRIX de uma vez. Eu já esperava gostar de THE MATRIX RELOADED, novamente dirigido pelas irmãs Wachowski, até porque tinha lembranças vívidas de algumas sequências de ação e que confirmaram o nível de qualidade nessa revisão (uma em específico é uma obra-prima).

Então, acabou que não foi nenhuma surpresa me deparar com um filme tão maneiro. E obviamente a ação é importate… Crucial, eu diria – como verão à seguir – mas me interessou bastante tudo aquilo que o filme se propõe como continuação.

Na verdade, THE MATRIX RELOADED é bem funcional como capítulo intermediário e só faz sentido acompanhado dos outros dois. É quase impossível entender alguma coisa sem ver o seu antecessor e conferir logo em seguida o encerramento da bagaça, THE MATRIX REVOLUTIONS (que foi lançado no mesmo ano, alguns meses só de diferença, em 2003).

Não que a trama seja tão complexa ou difícil de acompanhar, mas toda a gama filosófica de mesa de bar do primeiro filme precisa estar na mente para perceber os seus desdobramentos por aqui. Nada muito complicado, mas que torna-se incompreensível se falta a parte inicial e fica incompleta sem o desfecho.

Então, pra que que serve MATRIX RELOADED?

Olha, eu poderia até dar uma resposta mais detalhada, explicar que serve pra expandir o universo do primeiro filme, explorar os personagens e até mesmo se aprofundar nos seus conceitos que agora transcendem as questões cyber filosóficas para se tornar algo mais energia-espiritual-budista e blá blá blá… Mas não.

A única coisa que eu consigo pensar como razão deste filme existir é pelo espetáculo sensorial do segmento de ação “da rodovia”. Sabem qual é? Sabem do que tô falando?

Tudo que rodeia esses momentos frenéticos, tudo que vem antes ou depois dessa pancadria, perseguições, tiros e explosões que são a matéria prima dessa sequência, só serve de pretexto para esse segmento em específico acontecer diante dos nossos olhos. Não tenho dúvida alguma de que é uma das melhores sequências de ação do século.

Então minha resposta é essa. Pra que serve MATRIX RELOADED? Pra isso:

Toda essa construção, essa sucessão de acontecimentos, é simplesmente do caralho! Eu perdi a noção do tempo, mas devem ser uns quinze minutos de ação frenética ininterrupta.

Começa com um kung fu de Neo (Keanu Reeves) contra uns sujeitos numa espécie de chateau, desce pra uma garagem com os Gêmeos que viram fumaça, dando um trabalho do cão pra Morpheus (Laurence Fishburne) e Trinity (Carrie-Ann Moss) e o barraco acaba indo parar numa perseguição alucinante de carros, caminhões, viaturas de polícia, moto na contra-mão, com gêmeos-fumaça e os agentes da Matrix (aqueles caras fodões de terno e gravata do primeiro filme) perseguindo Morpheus, Trinity e um tal chaveiro numa rodovia de alta velocidade lotada de veículos.

A coisa termina quase num orgasmo com uma luta entre Morpheus e um dos agentes (vivido por ninguém menos que o grande Daniel Bernhardt, o sub-Van Damme dos anos 90, protagonista das continuações de O GRANDE DRAGÃO BRANCO e o petardo bad movie O GRANDE DRAGÃO DO FUTURO) em cima de um caminhão em movimento… Ufa! É o fino da grosseria!

Tudo lindamente bem filmado e coreografado pelas Wachowski. E os efeitos especiais até hoje impressionam… Honestamente, é essa sequência que faz valer o filme. Eu não queria mais saber das armações políticas em Zion, do ataque das máquinas no “mundo real”, do romance entre Neo e Trinity, se o Oráculo tava certa ou errada, ou pra que caralho serve o tal chaveiro. Eu queria simplesmente viver naquela sequência de ação por, sei lá, mais duas horas… Um clássico.

Sobre o restante de THE MATRIX RELOADED, é tudo o que se pode esperar de uma continuação para uma obra tão pop e cultuada do cinema da virada do milênio. Uma aventura de ficção-científica à altura de seu antecessor – apesar do fator novidade não existir mais aqui – mas que exige atenção do espectador e entretém com categoria.

Na trama, finalmente vemos Zion, a tal cidade do mundo real – e que rola umas raves hippies muito loucas sem qualquer motivo, a não ser mostrar corpos suados e com pouca roupa em movimento, ao som do batidão, o que pra mim tá bom…

Ficamos sabendo que as máquinas estão avançando em direção à cidade, cada vez mais perto de aniquilar os últimos 250 mil homens, mulheres e crianças da Terra, e é praticamente inevitável o confronto homem vs máquina.

A turminha Morpheus, Neo, Trinity e Link (Harold Perrineau) chegam na cidade. Personagens vão se apresentando, se reencontrando… O ritmo do filme é bem lento nesse início, com todas essas informações sendo lapidadas, com direito até a “reuniões de conselho” onde discute-se alguma coisa que parece importante (estilo Guerra Nas Estrelas). Rola até um Neo & Trinity fazendo saliências…

Não sabemos ainda como Neo vai salvar a humanidade. Nem ele, na verdade, mas continua sua jornada de descobertas com o apoio de Morpheus e Trinity. Talvez a grande revelação do filme aconteça na sequência que Neo encontra o Arquiteto (Helmut Bakaitis) e descobre-se a existência de outros “Neo’s” e que ele na real não tem escolha alguma, a não ser seguir o que lhe foi determinado desde o princípio pelas máquinas.

Seu destino é jogar um jogo dentro dos termos já estabelecidos, o que é uma baita quebra de expectativa do que a rapaziada almejava pras continuações considerando o final do primeiro filme. Motivo pra ter deixado muita gente puta na época, o que já prova que foi a escolha certa das Wachowski.

Temos uns outros personagens novos, Jada Pinkett-Smith, Monica Belucci e Lambert Wilson, como Merovingian, importante pra trama. O Chaveiro também é crucial – mas que no fim das contas só serve mesmo para ser jogado de um lado para o outro na tal épica sequencia de ação.

Mas dessa nova galeria de figuras, os melhores pra mim são os tais Gêmeos, capangas do Merovingian, que tem por trás tem aquele conceito incrível de se transformarem em fumaça, em fantasmas, sei lá… Só sei que é massa!

Outro ponto a destacar é a presença de Hugo Weaving, o agente Smith, que ressurge com novos propósitos após sua “libertação” no final do primeiro filme (à princípio imagina-se que ele foi destruído por Neo). No entanto, só vamos entender totalmente seu arco em THE MATRIX REVOLUTION. Aqui em RELOADED sua participação ficou marcada pela sequência de pancadaria entre Neo e múltiplos Agentes Smith.

É outro momento de ação bem legal que até nessa revisão me surpreendeu, especialmente enquanto vemos atores e dublês, de carne e osso, atuando e encenando as coreografias. Quando entram em cena os bonecos de CGI rodopiando a coisa fica fake demais, parece jogo de Playstation 2, envelheceu mal pra caralho… Mas ainda gosto bastante, acho que faz parte do charme que essa cena possui.

É tudo muito divertido, barulhento e muito bem feito, até para os padrões atuais de cinema espetáculo de sci-fi/ação. Muito melhor e mais autoral, por exemplo, que qualquer filme da Marvel feito nos últimos quinze anos.

Foi realmente uma revisão proveitosa. Algum momento mais lento aqui, outro mais chato ali, especialmente no primeiro terço do filme. As cenas em Zion se demorassem mais um pouquinho iam me perder… Mas uma vez que a intensidade do ritmo aumenta e a ação entra pra valer, THE MATRIX REALOADED cresce muito. Um filmaço.

Em breve comento o que achei de THE MATRIX REVOLUTION. Vou deixar no suspense…

★ ★ ★ ★

E vocês? Há quanto tempo não assistem à trilogia? E o quais as suas impressões sobre a série da primeira vez que viram e nas revisões? Deixem aí uns comentários pra eu saber.

19/07/2020 por Ronald Perrone - 5 Comentários

THE MATRIX (1999)

Escrevi esse textinho no início do ano passado, em 2019, exatamente vinte anos após o lançamento de THE MATRIX, para o extinto Action News. A minha intenção era rever toda a trilogia, como podem perceber no final do post… Como na época acabei revendo apenas este primeiro, vou republicar aqui no blog pra ver se animo finalmente revisitar os outros dois. Até porque um quarto filme vem aí…

Primeiro, é preciso ter consciência de que já se passaram vinte anos que THE MATRIX foi lançado e se tornou um fenômeno pop cultural, celebrado como um filme inovador em vários aspectos – revolucionário em termos de efeitos especiais e ação, e carregado de filosofia pós-moderna cibernética e blá, blá, blá. Mas e hoje? Como é ver THE MATRIX hoje? Muita coisa mudou de lá pra cá. O mundo vivia às vésperas da virada do milênio, a era da informática se iniciava, tudo o que apresentava em termos de comunicação e internet parecia tão distante da realidade; eu era um adolescente que peguei o VHS numa locadora e assisti, no mínimo, nove vezes antes de devolver rebobinado… Até as diretoras do filme, as irmãs Wachowski, ainda eram chamadas de irmãos Wachowski naquela altura… Sim, muita coisa mudou.

Resolvi encarar o filme de novo. Hoje. E se tem algo que NÃO muda é o fato de THE MATRIX ainda manter sua força em certos quesitos: alguns conceitos premonitórios, o visual cyberpunk que parece uma novela de William Gibson ganhando vida, e o fato de ser um cânone do cinema de ação na virada do século. Não dá pra conversar sobre cinema de ação do período sem que alguém cite Neo (Keanu Reeves) desviando de balas, com a câmera girando em slow motion, que ficou conhecido como “bullet time”, um tipo de cena que foi abusada à exaustão nos anos seguintes, mas que aqui ainda impressionava, era novidade; ou Neo encarando o agente Smith (Hugo Weaving) num metrô abandonado; Salvando Trinity (Carrie-Ann Moss) de um helicóptero em queda; ou enfrentando Morpheus (Laurence Fishburne) num treinamento de Kung Fu (cujo coreografo das cenas de luta foi o lendário Yuen Woo-ping)…

Lembro que na época era um filme considerado difícil de entender entre a molecada que tentava encarar a jornada do hacker Neo com mais prudência, prestando atenção no seu conceito filosófico. E toda a trama que envolve um mundo real e outro virtual, questões de livre arbítrio e identidade do indivíduo, e até um elemento religioso, com a concepção do “escolhido”, que volta para salvar o mundo, bagunçava mesmo a cabeça de um mancebo no final dos anos noventa que mal tinha entrado na internet na vida e só queria ver uns tiros, porrada e bomba. A trama nem era tão original assim, e depois foram se revelando vários filmes anteriores que tinham premissas similares.

É aquilo, THE MATRIX é a definição perfeita do que Hollywood costuma promover como algo “novo”, mas que acaba sempre sendo mais do mesmo… só que diferente. Quem já tinha assistido na época filmes como EXISTENZ, do Cronenberg, DARK CITY, do Proyas, e O 13º ANDAR não deve ter visto nenhuma novidade por aqui, exceto a ação eletrizante, numa intensidade de encher os olhos, e que realmente tinha uma proposta inventiva. Mas era o tipo de filme que, de certa forma, nos levava a refletir, a fazer as perguntas sobre questões da vida sem conseguir obter respostas muito concretas.

Mas o que realmente encantava e, curiosamente, ainda encanta nessa revisão, é como THE MATRIX é divertido pra cacete! Quero dizer, se tu não tá a fim de ficar esquentando os miolos com os elementos filosóficos, ao menos temos aqui uma história cheia de momentos que te prendem na cadeira sem tirar os olhos da tela. Ou, basicamente, temos Keanu Reeves lutando, correndo, pulando, atirando, etc, por duas horas. “Eu sei kung-fu.” Esse tipo de coisa nunca envelhece. E obviamente é sempre importante destacar os efeitos especiais seminais, que realmente surpreendiam na época. Mesmo que em alguns momentos tenham ficado datados, mas faz parte. Tudo somado, THE MATRIX é um filme de ação sci-fi inteligente, com uma filosofia de boteco que tem seu charme. É frenético, bem dirigido, com momentos e personagens icônicos que ainda fascinam, um visual interessante, enfim, continua incrível.

Depois de THE MATRIX, as Wachowski criaram muito barulho com a expansão do universo do filme. Vieram as animações compiladas em ANIMATRIX e terminou numa das trilogias mais célebres da primeira metade dos anos 2000’s. Para alguns. Extremamente decepcionante para outros… Eu incluso. Até tenho boas memórias de RELOAD. No entanto, REVOLUTIONS era simplesmente intragável. O legal é que quase tudo desse período revelou-se bons filmes em revisões recentes. E é gratificante quando isso acontece, adoro mudar de opinião e descobrir maravilhas de coisas que eu detestava. Por isso vou rever o restante da trilogia. Volto pra falar se melhoraram com o tempo ou se ainda são as porcarias que tenho na memória…

★ ★ ★ ★

E termino esse post com essa imagem maravilhosa das filmagens de THE MATRIX 4, que poderiamos ver mais cedo, mas graças à pandemia só será lançado em 2022. A Lana Wachowski parece feliz em dirigir mais um capítulo dessa saga…

03/01/2019 por Ronald Perrone - 1 comentário

2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK (1983)

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O primeiro filme que assisto em 2019 é, obviamente, o fantástico 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK, um dos meus clássicos favoritos do ciclo “pós-apocalíptico” italiano dos anos 80, junto com FUGA DO BRONX e OS GUERREIROS DO BRONX, ambos de Enzo G. Castellari. Produções desesperadas em tentar lucrar ao máximo e aproveitar o sucesso internacional de FUGA DE NOVA YORK, de John Carpenter, e MAD MAX 2, de George Miller, entre outras coisas, mas que rendiam um manancial de pérolas absurdamente divertidas (em alguns casos). Eram os anos 80, enquanto o mundo caminhava para o fim da guerra fria, havia uma certa paranóia em relação a uma Terceira Guerra Mundial que acabou refletida e imaginada em filmes pós-apocalípticos como o do Carpenter e Miller. E é nessa tentativa de ganhar um trocado em cima do sucesso desses filmes, criando suas próprias versões, criando praticamente um gênero, que o ciclo italiano ficou marcado.

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No entanto, alguns desses filmes possuem tanta personalidade, que acabam também influenciando futuras produções. E acho que 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK pode se orgulhar de ter esse feito, uma vez que trata-se de uma versão italiana descarada de FUGA DE NOVA YORK, mas claramente inspirou a história de FILHOS DA ESPERANÇA, de 2006, do hoje consagrado diretor mexicano Alfonso Cuarón, com a busca do herói para encontrar e proteger a última mulher fértil num futuro distópico (com direito à um personagem que exibe proeminentemente “Guernica” de Picasso em sua parede)…

Cena do filme FILHOS DA ESPERANÇA, de Alfonso Cuarón…

…E uma cena de 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK. Coincidência? Acho que não.

A trama de 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK se passa vinte anos após o holocausto nuclear que praticamente devastou com o planeta. Os sobreviventes sofreram mutações e se tornaram inférteis. Há quinze anos não nasce um indivíduo nessa realidade. O guerreiro nômade Parsifal (Michael Sopkiw) é sequestrado a mando do presidente da Pan-Americana, uma confederação rebelde que luta contra os Eurac, que se intitularam vencedores da guerra. É explicado a Parsifal que estão planejando lançar uma espaçonave para realocar alguns indivíduos para Alpha Centauri, um conjunto de planetas com atmosfera habitável e é oferecido a ele um lugar na nave se aceitar a missão. A coisa consiste em adentrar as ruínas de NY para resgatar a única mulher fértil que restou. “Entrar em Nova York é fácil. Sair que é impossível“, diz o presidente interpretado pelo grande Edmund Purdon, numa sequência que remete logo de cara ao primeiro encontro de Lee Van Cleef e Kurt Russell no filme de Carpenter.

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Parsifal concorda, relutante, e vai acompanhado de dois outros membros rebeldes: Bronx (Paolo Maria Scalondro), um sujeito que perdeu sua família em NY durante a guerra e tem ódio mortal dos Eurac, e o misterioso Ratchet (Romano Puppo), um caolho que possui força sobre-humana. O resto de 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK se resume na missão desses aventureiros numa Nova York devastada, que é controlada pela tropa Euracs, esgueirando-se para não serem encontrados, algo impossível, o que acarreta numa dinâmica de ação que não deixa o filme parado, e aliando-se aos povos mutantes que vivem nas ruínas. Especialmente um anão, com o “criativo” nome de… Shorty (Louis Ecclesia).

A direção desse petardo é de Sergio Martino, um maestro relegado à condição de “menor”, por nunca ter o mesmo reconhecimento entre os mais cultuados do cinema de gênero italiano, como Lucio Fulci, Mario Bava e Dario Argento. Mas os autênticos admiradores desse tipo de cinema sabem de sua importância e legitimam seu imenso talento por colocar na tela exatamente o que seu público espera. Como já disse, é um filme que não diminui o ritmo em seus noventa e poucos minutos, o andamento das coisas em 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK é muito bom nesse sentido. O roteiro pode até não ser dos mais elaborados, com diálogos inspirados, mas mesmo nos trechos mais lentos, cuja impressão é de que vamos entrar num marasmo e nos aborrecer, Martino não demora para mostrar alguma situação absurda, apresentar personagens bizarros e jogar muita ação na tela, em sequências explosivas, lutas e tiroteios, com direito à um bocado de gore, olhos perfurados e cabeças explodindo.

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Algumas sequências que poderiam passar puramente de um xerox de FUGA DE NY acabam ganhando bastante personalidade nas mãos de Martino. Um bom exemplo é quando o grupo tenta fugir de NY num carro antigo, do século XX, através de um túnel “minado”, mais uma referência óbvia de Snake Pliskenss levando os seus, dirigindo pela ponte minada no climax do filme de Carpenter. Martino trabalha tantas ideias e incrementa tanto a ação, que a sua fuga acaba ganhando um novo sentido, tem sua própria força, sem ficar nada a dever ao filme, digamos, “homenageado”…

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Mas o grande contraste de Martino em relação ao filme de Carpenter é na construção do herói Parsifal. À princípio, temos um Snake de meia-tigela, cuspido e escarrado, com uma rebeldia latente e desprezo pelas autoridades, e totalmente desacreditado de que a raça humana mereça uma segunda chance com a possibilidade de uma mulher fértil em voltar a perpetuar o homem, como planeja o presidente. Mas onde o personagem de Kurt Russell permanece o individualista anárquico-pessimista-niilista até o fim, Parsifal se entrega aos sentimentos quando se apaixona por uma das habitantes das ruínas de NY. Isso muda tudo.

Sopkiw não é um Kurt Russell, obviamente, mas entrega uma atuação sólida em 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK, digno dos grandes heróis do cinema pós-apocalíptico italiano. Era a sua estreia no cinema, já tinha feito alguns trabalhos como modelo e Martino resolveu arriscar com o rapaz porque ficaria bem mais barato dentro do orçamento da produção, que já era apertado. Em entrevista, Martino fala que gostou de trabalhar com Sopkiw, que encaixou perfeitamente ao papel. E revela que estrelar um filme dele serviria de trampolim para qualquer ator iniciante. De fato, Sopkiw teve um breve momento de fama no meio dos anos 80, fez quatro filmes legais no período, mas logo depois resolveu abandonar a carreira e se dedicar à outros assuntos… Já comentei sobre Sopkiw no post sobre BLASTFIGHTER, de Lamberto Bava. Depois confiram aqui.

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Sem precisar gastar rios de dinheiro com um Franco Nero ou Giuliano Gemma, Martino pôde trabalhar com cuidado o visual, nos mínimos detalhes. Vale destacar, portanto, os efeitos especiais que abusam de miniaturas e maquetes, que são toscas sob um olhar mais exigente, mas que dão aquele charme a mais neste tipo de produção. Os figurinos, maquiagens dos mutantes – ou a cena em que um personagem precisa fazer uma cirurgia de colocação de olhos novos – e os cenários desse universo pós-apocalíptico também são caprichados. E o diretor aproveita bem desse material, dos close nas caras dos atores maquiados, com suas feridas putrefatas, ao bom uso do espaço físico na ação. O elenco também merece atenção, trazendo alguns bons nomes deste período do cinema popular italiano, como os já citados Romano Pupo, Edmund Purdon e o grande George Eastman, que rouba a cena com seu Big Ape, um mutante metade homem, metade macaco, que lidera uma trupe de seres bizarros.

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Portanto, o que temos aqui é uma obra genial, ou seja, uma picaretagem das boas do cinema de gênero italiano, que copia na cara dura o clássico de John Carpenter, FUGA DE NY, mas com tanta imaginação e personalidade, que acabou resultando em algo único, que sem dúvida alguma, o diretor mexicano Alfonso Cuarón usou de base para escrever FILHOS DA ESPERANÇA trinta anos depois. Uma última constatação é a influência de BLADE RUNNER, de Ridley Scott, em 2019: AFTER THE FALL OF NEW YORK, na lógica dos replicantes, de androides que se confundem com seres humanos e que estão entre os indivíduos que povoam o filme. E que, aliás, também se passa em 2019… Pelo visto, esses cineastas tinham uma ideia bem pessimista deste ano específico. Mas apesar do mundo não estar tão ruim quanto nessas visões de futuro, até que acertaram em alguns pontos. Mas vamos que vamos…

28/09/2018 por Ronald Perrone - 4 Comentários

CYBORG – O DRAGÃO DO FUTURO (1989) & SLINGER (2011)

CYBORG vs SLINGER – Dois filmes em um

CYBORG – O DRAGÃO DO FUTURO foi um dos principais filmes de ação que me fez apaixonar incondicionalmente pelo gênero. Trata-se de mais uma variação do subgênero “pós-apocalíptico”, tão comuns nos anos 80 e 90, filmes em que vislumbramos o futuro da pior maneira possível, com suas grandes cidades destruídas por alguma catástrofe natural ou não, geralmente com um punhado de pessoas que já perderam a noção de humanidade tentando sobreviver ao caos, enfrentando as piores desgraças, agindo com violência, imoralidade e sem esperanças de uma vida melhor. No futuro de CYBORG, a “peste” devastou com a população mundial e a esperança do que resta da humanidade é a segurança de uma cyborg detentora da cura. Na trama, esta cyborg precisa chegar a Atlanta, único local com estrutura para trabalhar com o material que provavelmente vai restaurar a ordem no mundo.

Mas existem grupos anarquistas que preferem deixar tudo como está. É o caso da gangue do maquiavélico Fender, que faz de tudo para impedir que a moça de lata chegue ao seu destino. Aí é que entra o nosso herói, Gibson (sim, os nomes dos personagens são marcas de guitarras), na pele do belga Jean Claude Van Damme, um mercenário que se propõe a ajudar a indefesa cyborg, embora seja motivado por um instinto vingativo, rixa do passado entre ele e Fender, o qual é muito bem explorado nos flashbacks do protagonista.

Dirigido por um dos grandes mestres dos B movies, Albert Pyun nunca escondeu sua predileção pelo universo pós apocalíptico e cyber punk. No seu currículo podemos conferir umas maravilhas como NEMESIS, RADIOACTIVE DREAMS, KNIGHTS, VICIOUS LIPS e muitos outros… Portanto, deve ter adorado trabalhar com todos esses elementos neste que é considerado por muitos admiradores o seu melhor filme. Ou não… As histórias dos bastidores de CYBORG é tão insana quanto o próprio filme visto na tela. Pyun fora contradado pela Cannon Films em meados dos anos 80 para dirigir uma continuação de MESTRES DO UNIVERSO e um live-action do HOMEM ARANHA, que seriam filmados simultaneamente. Mas a produtora estava passando por problemas financeiros e cancelou seus acordos com a Mattel e Marvel, proprietárias dos direitos de He-Man e Homem-Aranha respectivamente, apesar de já terem gasto cerca de dois milhões de dólares com sets e figurinos.

Pyun teve a ideia de partir para algo novo, um filme totalmente diferente, se virando com o que tinham disponível, além de um orçamento de menos de quinhentos mil dólares, contando com o salário do astro Van Damme. O realizador escreveu o roteiro em uma semana e logo em seguida partiria para uma das filmagens mais caóticas de sua carreira. Em mais três semanas, o filme estava na lata, filmado, prontinho. A pós-produção também não se mostrou uma experiência confortável. Pyun se mostrava disposto a realizar um filme de gênero mais experimental, sombrio, violento e operático, homenageando aos filmes de samurai e faroestes que ele cresceu assistindo. Essa proposta não era vista com bons olhos pela Cannon e Van Damme, claro. Apesar dos pesares, o resultado é uma obra singular e visionária dentro do possível, limitada pelo baixo orçamento da produção. CYBORG, a versão de cinema, é um dos melhores filmes do diretor e um atestado do quanto pode ser prazeroso assistir a uma fita de orçamento restrito feito com paixão e criatividade. Uma curiosidade é que o filme chegou a ser promovido na TV americana carregando o nome MASTERS OF UNIVERSE 2: CYBORG!

CYBORG é bem curto, não chega a uma hora e meia, mas dispões de ação constante e muita atmosfera, um clima pós-apocaliptico desolador que não fica muito longe dos melhores filmes do subgênero, como MAD MAX 2. Difícil esquecer algumas cenas antológicas – Van Damme nos túneis dos esgotos, em espacate, esperando seu oponente passar debaixo para dar o bote é genial. Aliás, toda a sequência que antecede a crucificação do protagonista e a maneira em que o personagem se livra da cruz com toda a fúria sempre me marcou bastante. Hoje ainda reserva grande força para quem embarca na trama e neste tipo de diversão.

Além de Van Damme (cujo sotaque na época ainda era um problema para Pyun), que se sai muito bem em cena, vale destacar o desempenho do grande Vincent Klyn, o vilão Fender, que possui uma puta presença ameaçadora e poderia muito bem ter sido melhor aproveitado no cinema. A descoberta de Klyn é curiosa. Quando Pyun estava trabalhando no casting para a continuação de MESTRES DO UNIVERSO, o diretor foi ao Havaí procurar um ator que substituísse o Dolph Lundgren no papel de He-Man e acabou encontrando, no meio de vários surfistas, Vincent Klyn. Pyun se impressionou tanto com aquela figura, que quando os projetos se transformaram em CYBORG, Pyun exigiu que Klyn fosse o vilão do filme… Daquelas escolhas simplesmente perfeitas. Pra mim Fender é uma das mais insanas, impiedosas e assustadoras representações do mal no cinema de ação de todos os tempos!

Eu posso estar sendo um nostálgico exagerado, mas CYBORG é um grande filme. Ótimo veículo de ação para o Van Damme, de quem eu nutro uma enorme admiração desde pequeno, muito bem dirigido pelo Pyun, ótimos cenários, atmosfera, efeitos especiais old school que chutam a bunda de qualquer CGI atual, trilha sonora marcante, etc e tal, mesmo sabendo que para a nova geração tudo isso não passa de uma tranqueira sem qualquer interesse… Uma pena.

Passados pouco mais de vinte anos do lançamento de CYBORG, eis que Pyun aparece com SLINGER, a SUA versão de CYBORG! Explico: Apesar de ser um dos títulos mais lembrados de sua filmografia, Pyun sempre fez questão de deixar claro que a versão de CYBORG lançada nos cinemas em 1989 pela Cannon não era o filme que gostaria de ter lançado. O problema é que o grande nome do filme, Van Damme, odiou o corte de Pyun, o que fez o diretor sair do projeto e Sheldon Lettich (roteirista de O GRANDE DRAGÃO BRANCO e diretor de DUPLO IMPACTO) entrar para trabalhar numa nova edição do filme, que se tornaria a versão de cinema. Mas e SLINGER? Bom, num belo dia qualquer lá por volta de 2010, o compositor e parceiro de Pyun, Tony Riparetti, estava limpando seu depósito e encontrou duas VHS com o último corte de Pyun antes de Van Damme e Lettich tomarem conta da produção!

Um detalhe importante é que o termo “director’s cut” não possui a mesma definição da qual estamos acostumados. Não é o trabalho de alguém que resolveu remontar o filme, nem pretende o relançamento comercial para substituir o “original”. SLINGER é uma versão de CYBORG praticamente em estado bruto, percebe-se até uma falta de acabamento em algumas cenas, formatos de tela diferentes, além da imagem ruim, de VHS, sendo destinada somente para os verdadeiros fãs do filme e de seu diretor.

SLINGER é a denominação utilizada para os personagens errantes do universo do filme, como é o caso de Gibson Rickenbacker, vivido pelo Van Damme. Nesta versão, não existe praga alguma devastando a população. Gibson persegue o vilão Fender (Vincent Klyn) por vingança, pura e simples, e nem se preocupa tanto com a tal cyborg sequestrada. Quanto a esta, a sua função no filme é carregar dados que vão ajudar a reestabelecer as redes elétricas deste futuro pós apocalíptico. Ao menos é o que ela diz, mas descobrimos no fim que ela e seus responsáveis possuem segundas intenções não muito amigáveis para o que resta da humanidade, dando ao filme um tom mais depressivo que já tinha.

Fender, na brilhante presença de Vincent Klyn, não muda muito. É a personificação do mal em todos os sentidos em ambas as versões, mas ganha um tom meio religioso aqui, como um enviado do diabo para trazer o caos, reforçado por uma narração em off que não havia na outra versão. Aliás, a director’s cut ganha uma narração que permeia quase todo o filme e as palavras de Gibson dão ao personagem um interessante viés de samurai, algo que Pyun sempre declarou ter buscado para o sujeito.

A trilha sonora é um dos elementos que mais se diferencia do original. Eu gosto bastante da trilha de Kevin Bassinson, com destaque para as melodias suaves e melancólicas das cenas de flashback. Mas a que temos aqui, composta por Tony Ripparetti, parceiro de Pyun até hoje, se encaixa perfeitamente à narrativa, não apenas acompanhando as imagens, mas realmente dá ritmo e eleva a obra num patamar mais operístico, que era a ideia inicial de Pyun.

Não há nada em SLINGER que eu não tenha gostado, mas existem alguns detalhes dos quais eu prefiro na versão anterior. As cenas de flashback na director’s cut são objetivas e surgem antes cronologicamente em relação à versão para cinema. Por exemplo, quando chega a grande sequência da crucificação de Gibson em SLINGER, já sabemos de toda a história entre ele e Fender. A própria cena da crucificação ficou mais curta, embora não menos brutal. Em CYBORG, a conclusão dos flashbacks vinha no momento em que Gibson estava pregado na cruz, prolongando ainda mais a cena, deixando-a com uma carga dramática muito maior. Outra grande diferença é na luta final entre Fender e Gibson. Ambas são excelentes, na minha opinião. Mas a desta aqui, apesar de possuir uma idéia mais visceral, sua execução fica um pouco a desejar, poupa o espectador de mostrar a morte horrível de Fender, deixando as coisas na imaginação, provavelmente pelo baixo orçamento, mas o fato é que entre as duas, prefiro a original, que é mais longa e mostra tudo o que tem que mostrar.

De uma forma geral, acho que esta director’s cut se encaixa mais ao estilo de Albert Pyun naquele período. É mais sombrio e dá ênfase às suas peculiaridades estéticas e influências (Sergio Leone e os filmes de samurai). Já a edição dos produtores deu a CYBORG um aspecto de filme de ação de baixo orçamento que tinha tudo pra ser um tradicional exemplar do período, mas acabou com o olhar peculiar e criativo de um realizador cheio de personalidade. Não é a toa que, de alguma forma, foi um dos filmes que mais me encantou durante a infância, justamente pelos vestígios deixados por Albert Pyun na versão para cinema.

E pra ser totalmente franco com vocês, essa director’s cut não possui modificações gritantes em relação ao “original”, está bem longe de ser “outro filme”. E o grande lance é que o material bruto das filmagens de CYBORG, totalmente realizado por Pyun, é muito bom e é o que realmente faz toda a diferença! Todas as grandes cenas antológicas que transformaram esta obra num clássico permanecem aqui. Acho que se eu pegasse esse material e editasse a minha versão, seguindo a mesma trama, não tenho dúvidas de que seria capaz de fazer um bom filme! Mas são as mínimas nuances que diferenciam uma versão da outra que demonstram claramente a idéia mais autoral de Albert Pyun. E olha que CYBORG, do jeitinho que era antes, já era o meu filme preferido do diretor… essa versão chega apenas para definir não apenas essa minha opinião, mas para colocar CYBORG entre os meus favoritos do gênero.

Ao fim do filme, há uma menção sobre um futuro projeto que retornaria ao universo de CYBORG em uma nova produção. Talvez uma sequência ou uma pré-continuação… Pyun chegou a anunciar e até trabalhar nessas ideias nos últimos anos, mas nada de concreto foi lançado. Continuamos aguardando.

OBS: Como disse antes, Pyun nunca lançou SLINGER comercialmente. Tive o privilégio de conferir o filme há alguns anos, quando o próprio diretor me enviou uma cópia assinada, da qual me orgulho muito e guardo com carinho na prateleira.

21/11/2017 por Ronald Perrone - 2 Comentários

ALÉM DA IMAGINAÇÃO 1.8: TIME ENOUGH AT LAST (1959)

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Hey! Já fazia um tempinho que não postava sobre algum episódio da série ALÉM DA IMAGINAÇÃO por aqui. Ainda estamos na primeira temporada e chegamos a um dos episódios mais divertidos e, ao mesmo tempo, cruéis de todo o seriado. TIME ENOUGH AT LAST é o nome do episódio que traz o grande Burgess Meredith no papel de Henry Bemis, um sujeito que não quer nada na vida além de um lugar calmo e tempo para apreciar as palavras de uma página… Sejam livros, revistas, jornais, se deixar, é capaz de ler até a bula de remédios. O cara só quer ler.

Uma atividade saudável, certo? Não para Bemis, que é tão obcecado pela leitura que prejudica seu convívio social, sua mulher lhe proíbe de ler, escondendo ou hachurando livros, interfere até no seu desempenho no trabalho como caixa de banco, sempre com um romance de Dickens escondido na gaveta para dar umas lidas ao mesmo tempo em que precisa atender as pessoas na fila, deixando seu chefe furioso. A única coisa que o sujeito gosta de fazer é ler, e é a única coisa que não lhe deixam fazer.

Como um dos temas habituais da série (e de vários outros veículos de ficção científica do período) é a paranoia da corrida atômica, Guerra Fria e bombas nucleares, o episódio avança justamente quando uma grande bomba finalmente acaba com toda a vida no planeta. Menos Bemis, que estava na sua pausa para o almoço e resolveu se esconder no cofre do banco para ler um pouquinho… Ao sair do local, descobre uma nova realidade, a de que ele é o único ser vivo vagando pela terra devastada.

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O nosso herói até tenta levar numa boa, mas a solidão que lhe angustia lhe faz pensar em acabar também com a sua própria vida. Tudo muda quando ele encontra uma biblioteca cujos livros milagrosamente sobreviveram intactos à explosão. Milhares e milhares de livros lhe esperando e todo o tempo do mundo para ler… Um verdadeiro paraíso para Bemis. Seria terrível se algo acontecesse para evitar que ele finalmente desfrutasse de uma paz literária, não é? Hehe!

Escrito pelo criador da série, Rod Serling (baseado num conto de Lynn Venable) TIME ENOUGH AT LAST é um episódio mais leve e divertido na maior parte do tempo, mas muito efetivo na sua “mensagem”, alertando para um contexto desesperador. Uma leveza que se contrapõe perto da complexidade de sentimentos que o episódio desperta, mas por isso mesmo tão interessante.

É o tipo de exemplar que vai se perdendo ao longo do seriado, que vai ficando cada vez mais sério e sombrio nas abordagens dos temas a cada episódio. Mas aqui, como estamos ainda no início, era possível ter um contexto sério num episódio bem humorado, embora em determinado momento a situação de Bemis fique mais dramática e o desfecho seja um soco muito bem dado na fuça do espectador. Mas TIME ENOUGH AT LAST é notável devido à astúcia do enredo, o final irônico e cruel é simplesmente inesquecível e a performance de Burgess Meredith, uma das mais marcantes de ALÉM DA IMAGINAÇÃO.

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Outro destaque de TIME ENOUGH AT LAST é o design de produção deslumbrante do cenário pós-apocalíptico, muito efetivo em sua desolação e bem utilizado pelo diretor John Brahm, que faz aqui sua estreia na série. Brahm foi um dos cineastas mais requisitados de ALÉM DA IMAGINAÇÃO, trabalhando em doze episódios ao longo do seriado. Nascido na Alemanha, o sujeito seguiu os passos de vários profissionais do cinema daquele país, que deram no pé quando Hitler assumiu o poder no início da década de trinta. Possui uma filmografia bem interessante, apesar de hoje não ser muito lembrado, e dedicou grande parte da carreira a fazer seriados.

Já o ator principal de TIME ENOUGH AT LAST, Burgess Meredith, apareceu em um total de quatro episódios de ALÉM DA IMAGINAÇÃO. Mas sem dúvida alguma foi aqui que fez seu desempenho mais conhecido da série, como o infeliz, abatido e ávido leitor Henry Bemis, numa atuação cativante. Os fãs da série de filmes ROCKY vão se lembrar dele como Mickey, o treinador de Rocky Balboa.

Se você não viu este episódio, dê uma conferida. deve ter no youtube. Mesmo que não vá assistir a série inteira, pelo menos TIME ENOUGH AT LAST é diversão garantida, uma pequena joia da ficção científica televisiva que não vai decepcionar.

13/10/2017 por Ronald Perrone - 0 Comentários

SHOCKING DARK (1989)

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Textinho que escrevi para o Action News, sobre o sci-fi mequetrefe SHOCKING DARK, de Bruno Mattei, mestre do eurotrash, que copia na cara dura os clássicos de James Cameron, O EXTERMINADOR DO FUTURO e ALIENS.

Conheça mais este petardo lendo o meu texto aqui.

31/01/2017 por Ronald Perrone - 1 comentário

FAREWELL TERMINATOR (1987)

FAREWELL TERMINATOR é o primeiro filme de Isaac Florentine, realizado ainda em seu país natal, Israel, uma mistura de ficção científica pós-apocalíptica com ação e artes marciais, e que não chega a 30 minutos de duração.

O clima lembra os filmes do gênero daquele período, os rip-off de MAD MAX, principalmente os produzidos pelos italianos e também as tralhas do Cirio H. Santiago e gente dessa laia, mas já demonstra um modesto talento e estilo próprio de Florentine em coduzir cenas de ação e pancadaria. Além da capacidade de trabalhar com pouquíssimo recurso, mas muita criatividade, utilizando como cenário uns entulhos de concreto e sujeira, ruinas de prédios e carros batidos para compor uma atmosfera que funciona muito bem.

A história não é nada de mais. Mas não era intenção do Florentine, que escreveu o roteiro junto com Yehuda Bar-Shalom, gastar fosfato em um roteiro mais elaborado que serviria apenas de veículo para que o próprio Florentine explorasse seus interesses intelectuais e filosóficos… como tiros e pontapés na cara, por exemplo.

Ainda assim, a trama não deixa de ser interessante: no futuro, o governo utiliza uma espécie de polícia especial, conhecida como Terminators, para eliminar os rebeldes. Acompanhamos Dror, um policial que está prestes a se aposentar e ganhar passe livre para sair do país. Em seu último dia de trabalho, precisa enfrentar Schneider (o próprio Florentine), um ex Terminator que trocou de lado. Ainda na trama, Dror descobre que está com sua cabeça a prêmio e que a polícia está por trás disso. É uma boa premissa… com menos de meia hora de duração então, dá pra se divertir um bocado.

E o foco fica mesmo na ação e nas cenas de luta. Não são perfeitas, tão bem montadas e coreografadas como os filmes posteriores do diretor, como NINJA e UNDISPUTED III. No entanto, percebe-se claramente porque o cara conseguiu emprego rapidinho em solo americano, a princípio fazendo alguns B Movies e episódios de Power Ranges (Argh!)… depois voltou a se dedicar a fazer B Movies, mas com um pouco mais de grana, com atores conhecidos, como Van Damme, Dolph Lundgren, Gary Daniels e seu ator habitual, Scott Adkins.

FAREWELL TERMINATOR não é tão fácil de encontrar, eu suponho, mas se você tiver a oportunidade, não perca. Vale muito como curiosidade para quem já é fã de filmes de ação de baixo orçamento, especialmente do trabalho do Isaac Florentine, e também para os fanáticos por obras obscuras de ficção pós-apocalíptica dos anos 80.

19/05/2015 por Ronald Perrone - 11 Comentários

MAD MAX: ESTRADA DA FÚRIA (Mad Max: Fury Road, 2015)

Divagações rápidas sobre este novo episódio, pra fechar a série de comentários que fiz na semana passada. Estava aqui pensando… Trinta anos separam ALÉM DA CÚPULA DO TROVÃO de MAD MAX: FURY ROAD e, durante esse tempo, o cenário do cinema de ação foi de mal a pior. Tirando, claro, as raras exceções que ainda encontramos a cada ano, frequentemente soltamos um “não se faz mais filmes de ação como antigamente…”, lamento quase unânime entre os fãs de ação old school. E aí precisou vir esse senhor de setenta anos, que atende pelo nome de George Miller, retornando ao universo que criou há quase quatro décadas, para mostrar à maioria dos diretores atuais do gênero que, na verdade, eles não têm a mínima noção do que fazem. Continuar lendo →

14/05/2015 por Ronald Perrone - 10 Comentários

MAD MAX – ALÉM DA CÚPULA DO TROVÃO (Mad Max Beyond Thunderdrome, 1985)

E ontem foi o grande dia da estreia do tão aguardado MAD MAX: FURY ROAD, o quarto episódio da saga do personagem Max Rockatansky e suas desventuras no universo definitivo do pós-apocalipse. Mas, como só vou poder ver o filme hoje à noite, seguimos ainda com um dos antigos, MAD MAX – ALÉM DA CÚPULA DO TROVÃO, que até outro dia era responsável por fechar a trilogia com chave de ouro. Continuar lendo →

12/05/2015 por Ronald Perrone - 8 Comentários

MAD MAX 2: A CAÇADA CONTINUA (Mad Max 2, aka The Road Warrior, 1981)

Era para ter postado ontem sobre MAD MAX 2: A CAÇADA CONTINUA. Como se não bastasse a dificuldade que é escrever sobre meus filmes favoritos, como é o caso deste aqui, ainda apaguei sem querer um texto praticamente pronto e não consegui mais recuperá-lo. Tive que começar do zero, o que me desanimou… Mas como prometi que ia comentar sobre a saga de “Mad” Max Rockatansky, vamos tentar outra vez. Continuar lendo →

11/05/2015 por Ronald Perrone - 9 Comentários

MAD MAX (1979)

Como todas as atenções dos fãs do bom cinema de ação estarão em cima do lançamento de MAD MAX: FURY ROAD, o quarto exemplar da franquia iniciada lá atrás, há 36 anos, achei que seria legal fazer alguns comentários sobre a série. Começando por MAD MAX, o primeiríssimo, até porque revi todos por esses dias e é sempre uma experiência incrível acompanhar as aventuras de “Mad” Max Rockatansky e a visão do diretor George Miller na criação de um dos universos mais perturbadores e definitivos do mundo pós-apocalíptico, copiado de todas as formas possíveis no cinema – especialmente o segundo, que é uma obra-prima e um dos meus filmes favoritos da vida.

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07/02/2015 por Ronald Perrone - 21 Comentários

KERUAK – O EXTERMINADOR DE AÇO (Vendetta dal Futuro, aka Hands of Steel, 1986)

Não sei quantos de vocês tiveram esse privilégio, mas sou desses que pode se orgulhar de ter visto KERUAK – O EXTERMINADOR DE AÇO, de Sergio Martino, passando à tarde, no SBT, quando era moleque no início dos anos 90. Bons tempos. O filme é simplesmente um clássico da infância e quando os canais da televisão aberta ficaram caretas só me restou a lembrança, já que não consegui encontrar o filme em VHS na adolescência na região onde morava. Desde então não revi KERUAK, apesar da possibilidade que surgiu a partir da era dos torrents. Bem, resolvi matar a saudade agora e só posso dizer que valeu muito a pena. Foram 95 minutos com os olhos brilhando com o que há de mais divertido, bizarro e picareta no cinema B de ação italiano. Continuar lendo →

09/07/2013 por Ronald Perrone - 8 Comentários

FUGA DO BRONX (Enzo G. Castellari, 1983)

Para fechar a trilogia pós-apocalíptica do Castellari, chegou a vez de FUGA DO BRONX, continuação direta de 1990 – OS GUERREIROS DO BRONX. O título é um pouco enganador, deve ter sido bolado só para fazer referência ao clássico do John Carpenter, FUGA DE NOVA YORK, porque na verdade, pelo enredo deste aqui, o título deveria ser algo do tipo “NÃO fujam do Bronx”!

Desta vez, a corporação malvada do primeiro filme resolve expulsar os moradores do Bronx, região sem lei, dominada por gangues, como vimos no episódio anterior. A ideia é esvaziar o local para construir um bairro novo com prédios modernos, e quem não quiser sair por bem… Bom, sai à pontapés mesmo, ou acaba assassinado a sangue frio pelo esquadrão fascista liderado por Wrangler (o sempre genial Henry Silva), contratado para limpar o local usando a força bruta. Castellari antecipou trinta anos o modo de agir da polícia militar brasileira.

Sobra até para os pais do herói de OS GUERREIROS DO BRONX, Trash, novamente encarnado por Mark Gregory, que agora vai revidar com sede de vingança! E seguindo a linha dos outros filmes, o roteiro não avança muito para além disso e o filme se transforma numa batalha exatamente para não fugirem do Bronx. É só ação, ação e ação! Provável que FUGA DO BRONX seja o filme com mais ação de toda a carreira do Castellari. A quantidade de tiroteios é impressionante e toda situação que o enredo apresenta é desculpa para que a equipe de dublês trabalhe dobrado.

Um bom exemplo é quando decidem sequestrar o presidente da corporação. Não há qualquer tipo de elaboração. O plano é puxar o sujeito pelo colarinho e distribuir chumbo grosso em quem estiver pela frente.

E mesmo o conceito das gangues diferenciadas do filme anterior acaba se perdendo. Todos os grupos agora estão reunidos nos subterrâneos do bairro, liderados por Dablone (Antonio Sabato), na luta contra a tal corporação. E Mark Gregory consegue amadurecer o seu personagem. Trash está mais melancólico, com ar de cavaleiro solitário badass e deixou de lado a calça Jeans apertadinha no rabo… Logo no início do filme há uma cena na qual Trash explode um helicóptero com tiros calibre 38. O sujeito realmente não está para brincadeira!

Aliás, a ação do filme, além da grande quantidade, é toda repleta desse tipo de exagero. Especialmente o gran finale, cuja contagem de corpos é de arrepiar (algumas fontes apontam 174 mortos)! Imaginem o final de DESEJO DE MATAR 3 elevado à décima potência em termos de balas, explosões e violência e terão alguma ideia do que é isso aqui! O estilo Peckinpah de trabalhar o slow motion durante os tiroteios está em toda parte e Castellari é especialista nesse recurso, o que torna a ação ainda mais espetacular! Há também uso de miniaturas toscas sendo explodidas. Dá aquele charme nostálgico oitentista para a produção, que possui, aparentemente, um orçamento melhor para o departamento de pirotecnia e dublês em comparação ao primeiro filme.

O elenco também é outro destaque como sempre. Além de Gregory, Silva, que está realmente sensacional, e Sabato, temos uma excelente participação de Giancarlo Prete, que é o protagonista de THE NEW BARBARIANS, entre outros rostos reconhecíveis do cinema popular italiano, como Romano Puppo (desempenhando o pai de Trash), Paolo Malco, Ennio Girolami e o próprio diretor em uma pequena participação.

Apesar dos outros dois também me agradarem bastante, FUGA DO BRONX é disparado o melhor dos três exemplares futuristas que o velho Castellari realizou nesse belo período do cinema italiano.

09/07/2013 por Ronald Perrone - 1 comentário

THE NEW BARBARIANS, aka I Nuovi Barbari (Enzo G. Castellari, 1983)

Antes de encarar a continuação de OS GUERREIROS DO BRONX, vamos seguir a ordem do imdb e falar um bocado de outro action movie pós-apocalíptico dirigido pelo Enzo G. Castellari: THE NEW BARBARIANS, também conhecido como THE WARRIORS OF THE WASTELAND (lançado no Brasil como GUERREIROS DO FUTURO). Há até quem diga que, apesar de não fazer parte oficialmente do universo estrelado por Trash (Mark Gregory) e sua turma, este aqui completaria a trilogia de filmes de ação que transcorrem em futuros distópicos que Castellari realizou nos anos 80. É justo…

Estamos no boom do cinema pós-apocalíptico e o cineasta italiano que não entrasse na brincadeira estava por fora. Lucio Fulci, Joe D’Amato, Sergio Martino, Bruno Mattei, etc, etc… Mario Bava só não entrou porque morreu antes do gênero realmente estourar. E Dario Argento, antes de fazer de tudo para destruir sua reputação com abjetos como DRACULA 3D conseguiu permanecer no seu estilo, dirigindo e produzindo horror de qualidade. O resto teve que procurar terrenos baldios no interior da Itália (como é o caso de THE NEW BARBARIANS) para fazer de cenários pós-apocalípticos.

No ano de 2019, após um holocausto nuclear, um grupo intitulado Templários toca o terror para cima dos poucos seres humanos que ainda vagam pelo mundo devastado. Eles se consideram uma raça superior e por onde passam o resultado é morte e destruição. Para nossa sorte, existem ainda algumas pessoas de bom coração, como Scorpion (Giancarlo Prete), Nadir (Fred Williamson) e o moleque de A CASA DO CEMITÉRIO, do Fulci, (Giovanni Frezza) que é um exímio atirador de estilingue e um mecânico de primeira. Os três unem força para lutar contra as forças malignas dos Templários, liderado por One (o grande George Eastman).

E pronto, a trama não passa muito disso. Os roteiristas se preocuparam apenas em criar premissas bem básicas, uns personagens bacanas e deixar o pau comendo solto a torto e a direito. O espírito era “vamos ligar a câmera e ver o que acontece”. O que torna THE NEW BARBARIANS, ao mesmo tempo, um dos filmes mais fracos e mais divertidos do Castellari. Depende do que lhe interessa na sua busca cinematográfica. Pessoalmente, acho sensacional! Diria até que se trata de “bom cinema” sob determinados aspectos.

Libertando-se do roteiro, a criatividade dos realizadores foi toda concentrada na criação de sequências de ação e na concepção dos veículos futuristas, nos figurinos, adereços, penteados, armas… E pelo que pude entender da mensagem que o filme deixa, estilistas não muito chegados na fruta (acho que isso foi um pleonasmo) tem mais chance de sobreviver a uma catástrofe nuclear. Digo isso baseando-me no visual dos Templários. Deve ser extremamente difícil manter esse penteado num mundo devastado e sem um supermercado por perto… será que é esse o objetivo dessas moçoilas de ombreiras? Destruição em massa em busca de produtos de beleza para manter o look?

Enfim, se FUGA DE NOVA YORK e THE WARRIORS eram as fontes de inspiração de OS GUERREIROS DO BRONX e FUGA DO BRONX, em THE NEW BARBARIANS percebe-se claramente que Castellari viu e reviu MAD MAX II um punhado de vezes antes de começar as filmagens. Além dos carros, ambientação e outros detalhes, Scorpion é uma cópia cuspida e escarrada da personalidade do Mad Mel no filme de George Miller.

Numa entrevista nos anos 90 para a European Trash Cinema, Castellari diz que o orçamento de THE NEW BARBARIANS foi um dos mais risíveis com o qual já trabalhou e por isso se orgulha muito das sequências de ação que conseguiu realizar por aqui. Há uma abundância de tiroteios com efeitos sonoros de lasers (e que quando acertam o alvo fazem um estrago danado, especialmente no corpo humano), perseguições de carro, explosões, pancadaria, cabeças rolando, uma coisa linda.

Nessa mesma entrevista, o diretor declara o seu amor ao cinema de Peckinpah e a maneira como este utiliza o slow motion em cenas de ação. E aqui Castellari usa e abusa desse mesmo artifício. Visualmente, a ação de THE NEW BARBARIANS é um espetáculo dos bons, apesar do orçamento baixíssimo.

É preciso destacar ainda alguns momentos realmente interessantes e inusitados por aqui, como a participação limitada, mas muito bem utilizada do personagem de Williamson e seu arco e flecha destruidor, com um conjunto de explosivos coloridos de fazer o Rambo ficar com invejinha. Ui! E já que voltamos a falar de boiolice, THE NEW BARBARIANS deveria ser lembrado por ser o melhor (e provavelmente o único) exemplar do ciclo de filmes pós-apocalípticos italianos no qual o herói é capturado e literalmente currado, violado, estuprado, arrombado pelo lider dos vilões… Geez, esses italianos eram mesmo insanos!

Para se aprofundar ainda mais no filme, recomendo este texto, do Felipe M. Guerra. Garantia de boas risadas.

05/07/2013 por Ronald Perrone - 6 Comentários

1990 – OS GUERREIROS DO BRONX (Enzo G. Castellari, 1982)

De volta ao Brasil para umas férias, passemos às atividades por aqui. Pelo menos nos próximos dois meses espero ter muito assunto para compartilhar antes de voltar à luta. Um deles é o já anunciado retorno do ciclo Castellari que iniciei ano passado e por diversos motivos acabei abandonando. Retomemos de onde paramos: 1990 – OS GUERREIROS DO BRONX, um dos melhores trabalhos do diretor de KEOMA.

A essa altura do campeonato, é provável que quase todo mundo saiba que certa parcela do cinema italiano no início dos anos 80 era formada por alguns dos principais picaretas da indústria cinematográfica mundial. Choviam filmes que se aproveitavam do sucesso comercial de outras produções mais abastadas. MAD MAX, por exemplo, foi responsável por gerar uma penca de filmes pós-apocalípticos carcamanos. OS GUERREIROS DO BRONX é um belo exemplar do gênero, embora não tenha nada a ver com o filme estrelado pelo Mel Gibson. Na verdade, é uma mixagem inspirada de outras duas obras de imensa influência na época: FUGA DE NOVA YORK, de John Carpenter, e THE WARRIORS, de Walter Hill.

Mas o que interessa mesmo é que apesar das óbvias referências o filme consegue ter vida própria, com toda a personalidade de Castellari impressa na tela. No entanto, OS GUERREIROS DO BRONX não ficou livre de alguns problemas que constantemente eram encontrados nestas específicas produções. É o caso do roteiro fraquíssimo, cheio de buracos e diálogos pífios, apesar da trama e do universo criado aqui serem notáveis. Cortesia do grande Dardano Sacchetti, responsável por vários roteiros clássicos do cinema italiano dos anos 70 e 80.

Além disso, tenho um bocado de problemas em levar a sério o personagem principal, Trash, supostamente o cabra durão do pedaço, interpretado pelo italiano Marco di Gregorio (aqui creditado como Mark Gregory), que não possui carisma algum. É lógico que o resultado acaba sendo mais divertido por ser um elemento de humor involuntário. Mas perto de um Kurt Russel, no filme do Carpenter, não dá nem para o cheiro.

Um fato interessante é que há rumores de que Mark Gregory é, ou tenha sido (não sei se ainda está vivo), gay. Não que isso interesse. A sexualidade de cada um pouco me importa. Mas é curioso quando isso influencia no filme. Porque há duas cenas específicas em que personagens morrem nos braços de Trash. Quando é um membro masculino de sua gangue percebe-se claramente a intesidade de sua atuação, parece que ele deu tudo de si (aliás, o falecido tem até um bigode estilo Freddie Mercury). Quando ocorrido é com uma importante personagem feminina a encenação já não é tão convincente. E a calça jeans que ele usa durante o filme deve ser a mais apertada da história do cinema e quando anda dá a impressão de que há um caroço de milho enfiado no rabo…

Er… Bom, OS GUERREIROS DO BRONX conta ainda no elenco com Vic Morrow (em seu último papel antes de morrer de forma trágica no set de THE TWILIGHT ZONE), Fred Williamson, George Eastman, Christopher Connelly, Joshua Sinclair e o próprio Castellari em um pequeno papel. Mas sua função atrás das câmeras, como criador de imagens, é que chama a atenção, especialmente nas sequências de ação, com direito a uma bela contagem de cadáveres e vários slow motions peckinpanianos. A cena em que Vic Morrow invade o esconderijo dos Riders (cujo lider é a figura que eu comentei nos dois últimos parágrafos) distribuindo bala é um primor. As cenas de luta também não são más, principalmente quando acontece um quebra pau entre Williamson e Eastman.

A diversão continua também nas situações precárias da produção que rendem algumas risadas curiosas. Um bom exemplo refere-se a um dos principais argumentos da trama: o bairro do Bronx tornou-se uma terra sem lei e sem ordem comandada por diversas gangues em disputa por territórios, mas a produção não teve permissão de fechar as ruas da região para as filmagens. Portanto, é hilário notar no fundo os carros passeando e as pessoas andando normalmente nesta suposta “terra de ninguém”, violenta, sem lei e ordem. Mas o que importa é a essência, não é mesmo? É o que torna OS GUERREIROS DO BRONX tão magnífico. Fiz uma revisão recente e é bacana notar como ainda se mantém em ótima forma em comparação com um punhado de outras produções similares daquele período de glória do cinema italiano de gênero.